Clasificación de las vanguardias históricas del cine

La idea principal de las vanguardias cinematográficas reside en una revelación contra las formas de expresión tradicionales. En la mayoría de los casos, son manifestaciones culturales paralelas a procesos similares en literatura, música y artes plásticas, aunque a veces, hubo cierta distancia temporal entre una corriente artística y su análogo cinematográfico, como en el caso del cine y pintura abstracta. Las características generales de la vanguardia son: «La innovación y el cambio continuo; el activismo —entusiástico, creativo,apasionado, aventurado, experimentación; nihilismo irónico, negación de lo antiguo, la experiencia límite, el juego, nuevo uso de los materiales, invención de nuevos lenguajes, la recurrencia a las nuevas tecnologías» (Mario Verdone). Uno de los rasgos distintivos de la vanguardia cinematográfica es su carácter interdisciplinar: la colaboración entre artistas, pintores, músicos, fotógrafos, que a menudo también eran cineastas como, Richter, Balla, Eggeling, Léger, McLaren. La consideración del cine como la síntesis de las artes fue también la base teórica de la cinematografía futurista.

La cinematográfica en función de sus relaciones con las demás artes la orquestación del movimiento en ritmos visuales —la expresión plástica de un objeto en movimiento bajo variables condiciones de luz, «crear el ritmo de los objetos comunes en el espacio y en el tiempo, presentarlos en su belleza plástica (…)» (Léger)— la distorsión y la disección de un movimiento, un objeto o una forma y su reconstrucción en términos cinematográficos (tal como los cubistas separaban y reconstruían en términos pictóricos), (…), —el uso de las cualidades mágicas del cine para crear el estado original del sueño—, la liberación completa del relato tradicional y de su cronología, en desarrollos dadaístas y surrealistas, en los que el objeto es apartado de su contexto convencional. Se distinguen dos tipos de cine de vanguardia cinematográfica: El cine gráfico y El cine abstracto.

El primero, caracterizado por el rechazo hacia la narración clásica, poniendo de plano principal la tradición de representación heredada de la fotografía, el teatro, y cine subjetivo. En coetáneo, se advierte la distinción entre el cine ideado por artistas que buscan nuevas formas de expresión, pintura en movimiento (Ruttmann, Richter, Eggeling), (cine anti-comercial), (Buñuel, Vertov, Man Ray, L’Herbier); y cine de artistas —el cine neo-vanguardista de los años 60 (Warhol, Fluxus)— Tanto en el arte pictórico y literario, como en el cine se patentiza una coincidencia temporal en el estallido de la creación paradigmática: (años 70-80). En arista geográfica (mundo anglosajón) y, sobre todo, una proximidad ideológica y afán activista —lucha por los derechos de minorías sexuales, étnicas (aunque en caso de la comunidad afroamericana estadounidense es difícil hablar de una minoría), mujeres—, es decir, colectivos oprimidos por el estado y las ideologías dominantes. Para la cinta (Mothlight, 1963), El Pop art fue un referente estético, Como así también, para los musicales psicodélicos de Ken Russell (Tommy), o las películas protagonizadas por los Beatles (Ahard day’s night de Richard Lester. La Naranja mecánica, de Stanley Kubrick es, quizás, el ejemplo más radical de la influencia de la estética del pop-arte en el cine. La escenografía, el vestuario, los cuadros y esculturas que deco- ran la casa de la «mujer de los gatos» o la habitación de Alex recuerdan las obras de Tom Wesselmann y John Rosenquist. El interior del Korova Milk Bar está inspirado en las esculturas del británico Allen Jones que representaban mujeres con atuendos y poses con claras connotaciones sadomasoquistas, convertidas en partes de mobiliario. Man Ray, Lee Miller, 1930, originalmente cargado por Gatochy. El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), con la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, genera en el espectador una emoción que lo lleva a realizar mediante un proceso psicológico una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

La serie de fotografías de Cindy Sherman Film stills de los años 70 contiene elementos de narración, imita la naturaleza del fotograma cinematográfico: un fragmento espacio-temporal de secuencias fragmentadas. El topo (Alejandro Jodorowsky, 1970) Surrealista película ambientada en el viejo oeste que sigue siendo la obra maestra de Jodorowsky, es otro referente icónico como el espíritu de las vanguardias de los años veinte seguía vivo. Como curiosidad, le encantaba a John Lennon.

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