(del libro César Vallejo, genio entre los genios, de Luis Alberto Ambroggio) César Vallejo, genio entre los genios, de Luis Alberto Ambroggio (La Catedral, 2020). CONTEXTODos de los mayores poetas de la lengua hispana en los pasados dos siglos, César Abraham Vallejo Mendoza, César Vallejo (1892-1938) y Félix Rubén García Sarmiento, Rubén Darío (1867-1916), se […]
Vallejo y Darío, unidos en el poema “Retablo”
Sección: Las mujeres de mi revolución Sábado, 20 de mayo. 2023 Fotografía de Victoria Kent VICTORIA KENT Participó en la fundación del Lyceum Club de Madrid, llegando a ser vicepresidenta. El Lyceum era un lugar de encuentro para mujeres de la élite española, donde se dialogaba sobre el papel de la mujer, apoyando la cultura […]
VICTORIA KENT VISTA POR GABRIELA MISTRAL. Por Aldana Muñoz
Luiggi linyera de la Boca, 1916 Lejos del mito romántico del vagabundo, de ideas libertarias o anarquistas, del ser libre que viaja en los vagones de los trenes de carga, levantado la cosecha, durmiendo a la intemperie y difundiendo su pensamiento; lejos del caminante austero que va imitando el ciclo migratorio de las golondrinas, los […]
Linyeras: «El arte de la simulación» (parte I) — By Aldana Muñoz 🇦🇷
“ El conocimiento que Mendel y Darwin pudieran tener de los descubrimientos del otro es objeto de debate histórico, centrado en la hipótesis de que un intercambio de ideas entre ambos podría haber acelerado el desarrollo de la biología moderna.”. Ésta década se cumplieron 200 años del nacimiento de Gregor Johan Mendel en Heinzendorf (antiguo Imperio […]
Mendel y Darwin: una relación enigmática— By Aldana Muñoz 🇦🇷
Serían insuficientes cientos de prólogos para presentar a Macedonio Fernández (Buenos Aires, 1 de junio de 1874 – 10 de febrero de 1952) y su extrañísima obra filosófica y literaria. Pero si tuviera que señalar el “origen” de mi obsesión con Macedonio, diría que todo comenzó con la nada. Con un chiste que no tiene […]
«La nada» de Macedonio Fernández — By Aldana Muñoz 🇦🇷
Dentro de un cuarto solitario hay un banco de madera, ensombrecido por la silueta de un lento ventilador de techo. A pasos lentos, se acerca Alberto Laiseca (1941-2016, Argentina) un hombre gigantesco con bigote ancho y amarillo. Una vez instalado en el asiento, enciende un cigarro mientras anuncia el título del cuento que narrará con […]
El delirio de Alberto Laiseca y sus civilizaciones ilusorias. — By Aldana Muñoz 🇦🇷
En un mundo acosado por la impostura no parece asombroso que una de las palabras estelares de los últimos años haya sido el adjetivo trucho, presente en el diccionario como un americanismo que quiere decir vivo, ladino, taimado y astuto. En su renovada acepción trucho es falso, alude a simulaciones y desfiguraciones en boga, a […]
TRUCHOLANDIA —By Aldana Muñoz 🇦🇷
No comprendo las loas, los ditirambos, las alabanzas, entre otros sinónimos, que enarbolan en derredor de la obra caritativa de Jon Bon Jovi:
Literalmente: en su cadena de restaurantes se sirven comidas a granel «tanto a clientes que pagan como a los que no».
(Intuyo que la gente se queda con la primera frase enunciativa y no lee o escucha más alla de las tres primeras proposiciones).
Literalmente en la entrevista, el susodicho profiere: «No hay precios en el menú, pero ¹SE ANIMA a aquellos que pueden pagar una comida a DONAR $20. Quienes tienen dificultades económicas PUEDEN comer ²gratis, y también se les ANIMA a ³ser VOLUNTARIOS en el restaurante ayudando a SERVIR las comidas y TRABAJANDO en la cocina.»
TRADUCCIÓN: La gente pudiente paga por los los platos de la gente indigente. Todo esto con el paliativo «ANIMADOS» (o sea, la función apelativa en su versión exhortativa: una órden, mandato y peor aún que la explícita apelativa ya que, la exhortativa funciona desde el chantaje emotivo imprimimos en los receptores el impulso al cumplimiento desde lo moral a través del sentimiento de culpa inducido). By the other hand, la gente indigente, paga su plato de comida «donado» (jamás por Jon Bon Jovi) si no por el lado A de la recua direccionada, no con DINERO pero paga con creces con una moneda peor: la de la horrenda servidumbre.
1-ANIMAR. Del lat. animāre.
1. tr. Infundir vigor a un ser vivo.
2. tr. Infundir ánimo o energía moral a alguien.
3. tr. Incitar a alguien a una acción. Le animó A ir al cine.
4. tr. Dar vida o animación a una obra de arte.
5. tr. Comunicar a una cosa inanimada de vigor, intensidad y movimiento.
2-GRATIS. (Del lat. gratis).
1. adj. gratuito (‖ de balde).
del lat. gratuītus.
1. adj. De balde o de gracia2. adv. De manera gratuita o sin coste.
3-VOLUNTARIO, ria. Del lat. voluntarius.
1. adj. Dicho de un acto: Que nace de la voluntad, y no por fuerza o necesidad extrañas a aquella.
2. adj. Que se hace por espontánea voluntad y no por obligación o deber.
(Se los anima a ser VOLUNTARIOS es una contradicción en sí misma)
Coronamos al evento de solidaridad por antonomasia con un emblemático hit de Jon Bon Jovi
«Salva al alma presa, salva a la persona que se siente inútil, salva el día que se vive y que nunca se entiende a menos que se escriba. Escribir es intentar entender, es intentar reproducir lo irreproducible, es sentir hasta el último momento el sentimiento que permanece apenas vago y sofocante«. Clarice Lispector, Descubrimientos. Crónicas […]
La literatura a las cárceles de Córdoba, Argentina — By Aldana Muñoz
Dos hombres abren una puerta y encuentran en un cuarto lúgubre el cadáver de un hombre en la cama, el cuerpo ya descompuesto de una mujer hermosa en el suelo y un bebé tratando de alimentarse de ella. La imagen de la peste en el Río de la Plata es una: Un episodio de la […]
Diez imágenes de la peste: lo que la historia del arte puede aportar a la conciencia colectiva. — By Aldana Muñoz
XXVIII LA FALSA MONEDA Al alejarnos de la tabaquería, mi amigo hizo unacuidadosa clasificación de su dinero; en el bolsilloizquierdo deslizó pequeñas monedas de oro; en elderecho, moneditas de plata; en el bolsillo izquierdode su pantalón, un montón de centavos y por fin,en el derecho, una moneda de plata de dos francosque había examinado cuidadosamente […]
Derrida acerca de «La falsa moneda» de Charles Baudelaire — By Aldana Muñoz 🇦🇷
PESSOA FUE UN ASTRÓLOGO COMPETENTE E HIZO CIENTOS DE CARTAS ASTRALES PARA CONOCIDOS, ESCRITORES Y CELEBRIDADES DE LA HISTORIA Para algunas personas ha sido sorprendente descubrir que Isaac Newton dedicó buena parte de su tiempo a la alquimia y a la profecía bíblica. También se interesó por la astrología, pero eso en su época era la regla, […]
FERNANDO PESSOA: POETA GENIAL Y ASTRÓLOGO PROFESIONALARTE — By Aldana Muñoz
(VANGUARDIAS HISTÓRICAS DEL SIGLO XX) «El inmenso paso que constituye la introducción del irracionalismo total en la literatura se ha dado gracias al poema fonético» (Merz Mail) Desde el origen de los tiempos la tradición oral se ha impuesto a la literatura escrita, la poesía en todas sus vertientes y en diferentes épocas ha sido […]
DE LA POESÍA FONÉTICA A LA POESÍA SONORA (parte I) — By Aldana Muñoz
El Quijote, ilustrado por Gustave Doré El 6 de enero, Día de Reyes Magos, de 1832 nació en Estrasburgo uno de los más grandes ilustradores de todos los tiempos. Su arte enriqueció el universo de libros como ‘Divina comedia’, El Quijote y la Biblia. Gustave Doré nació en Estrasburgo el 6 de enero de 1832 […]
El imaginario gráfico de Gustave Doré— By Aldana Muñoz
En sus obras trabaja fundamentalmente a partir de la utilización de la parodia en tanto forma humorística básica. nto forma humorística básica. Constituyendo un espacio de creación personal con características distintivas. Frente al alejamiento de una literatura definida por el Canon de autores consagrados, el escritor rosarino desarrolla una actividad de escritura que al recortar […]
Fontanarrosa – Inodoro Pereyra— By Aldana Muñoz 🇦🇷
Se denomina ‘lunfardo‘ a la expresión del habla coloquial rioplatense, es decir que se trata de un conjunto de vocablos y expresiones no considerados en el terreno académico, i. e., no registrados en los diccionarios del español corriente, que desde ya no constituyen de por sí una lengua o idioma, ya que su flexión y […]
El LUNFARDO — By Aldana Muñoz 🇦🇷
Más de un centenar de dibujos inéditos de Franz Kafka (1883-1924) realizados especialmente cuando el escritor era un joven estudiante universitario, sumados a otros ya editados, se publicarán la semana próxima, luego de permanecer 63 años en una caja fuerte. Los dibujos, que ahora se publican, fueron salvados de la destrucción por decisión de su […]
Dibujos inéditos de Kafka que estuvieron 63 años en una caja fuerte — By Aldana Muñoz
Entre varios otros dilemas y encrucijadas, el ser humano se debate entre la memoria y el olvido, el anhelo de posesión y la necesidad de la pérdida, retener o liberar. Nuestra época –los últimos diez, veinte años– ha sido especialmente incisiva con las ideas del “dejar ir” y el “soltar”, nociones de vaga influencia oriental, […]
Ser nuevo con cada madrugada: el desapego desde la perspectiva de Fernando Pessoa — By Aldana Muñoz
Talvez um dos pontos mais dançantes do álbum, ou de vertente Dance Music, fosse a faixa «Back Chat», mas mesmo assim, o disco compreende em um apanhado com essas vertentes. Em «Body Language» não existe guitarra e soa bem diferente do som da banda original. «Action this Day», de autoria de Roger, movimenta um swing […]
Queen – Hot Space (03/05/82)
Aprendimos mucho de Scarface.– Un buen consumidor no vende y un buen vendedor no consume. – Nunca confíes en nadie. – La inutilidad del revolver en un enfrentamiento de motosierras. Los detrás de escena de esta pragmática pluricultural. 1. Brian De Palma casi dirige Flashdance en su lugar. El productor Martin Bregman le ofreció a […]
10 datos extra sobre la película SCARFACE — By Aldana Muñoz 🇦🇷
– Daisy: «Si me enseñas a patinar esta tarde, te daré una cosa que siempre has deseado tener».– Donald: «¿Quieres decir…?».– Daisy: «Sí… Mi moneda de 1872».– Sobrino: «Auuu! Completaría nuestra colección de monedas, Tío Donald».(Conversación en Disneylandia, Nº 433.) Lo primero que salta a la vista en cualquiera de estos relatos es el desabastecimiento […]
Tío, comprame un profiláctico…
Cuando determinados íconos artísticos describen la vida del gaucho en los siglos pasados o los periplos del aborigen en pueblos del Noroeste, una bataola de críticos condescendientes, por institucionales, se felicitan entre ellos respecto de las retrospectivas que hacen posible las vueltas del arte «sana» y «permanente» en la representatividad de nuestras raíces. Y cada […]
Falsos postulados de literaturas nacionalistas— By Aldana Muñoz
Fragmento de Siddharta: “Ya no soy el que fui –se dijo-; ya no soy asceta, ni sacerdote, ni brahmán. ¿Qué haría en casa de mi padre? ¿Estudiar? ¿Sacrificar? ¿Ejercer el arte de reflexionar? Todo ello ya es pasado, ya no se halla en mi camino”. En definitiva: ¿quién soy yo?» Hermann Hesse fue educado en […]
Hermann Hesse: el conflicto de sí mismo
Lisa Simpson no es más que una hipócrita que critica el sistema (todo el tiempo y en todos los aspectos), ah pero tiene asistencia perfecta en la escuela y solo le importa la calificación numeraria como medida parametral de su capacidad, la cual no tiene que ver con la capacidad real de un estudiante. Y bueno… lo podrán constatar en los capítulos que, por ejemplo Alison la supera, porque tiene un pensamiento crítico naturalizado. Y Lisa es llanamente memorística y disciplinada. También, en el capítulo donde Maggie la supera), también con otro tipo de inteligencia) a la que Lisa no llega. Por el simple hecho de que su manera de pensar es por repetición, por memoria y por conducta. En mi humilde opinión, para mí es él, Bartolomeo, quién es realmente inteligente, (sacando a Bob Patiño), sin dudas… Pero Bart sí es anarquista porque rompe estructuras, porque tiene un pensamiento crítico pero no le interesa un pito cumplir con el sistema y bueno. Todo acto tiene sus consecuencias,y en este sistema (precisamente) «nunca va a ser un triunfador ese niño.»
Entre un mi Dios y un Dios mío, Dios es mentado en la Argentina de hoy para hablar y pensar acerca de la irracionalidad y de la injusticia. Con eso buscamos un reparo, o ponerle cara de ángel a lo que sucede, que a veces ni Dios lo entiende. Cuando algo nos defrauda, o nos […]
Como que hay un Dios — By Aldana Muñoz
A estas alturas poco queda por decir del Boom, además del mantenimiento a día de hoy de sus estatus de referencia casi totémicos para nadadores, críticos, opinadores,al hablar de la novela hispanoamericana en entrevistas reseñas o artículos de prensa, existe ya una lista importante de trabajos en los que se ha realizado desde múltiples perspectivas […]
Novela Hispanoamericana en el espejo del «Boom» — By Aldana Muñoz
Por todas partes surge ahora una ola de poetas vigorosos cuya época, unas veces con entusiasmo y otras con burla, se llamó «Sturm und Drang (Tormenta y Arrebato). He aquí los dramaturgos de hinchado estilo, cuyo héroe es el «individuo» capaz de sostener el mundo sobre sus hombros; poetas que muchas veces vienen a confundir lo natural con lo chabacano, la libertad artística con la falta de disciplina. En primer lugar el silesiano Heinrich Wilhelm von Gerstenberg (1737- 1823), para el cual la sucesión de cuadros terroríficos lo es todo, desdeñando la acción y aun la composición artística. Más tarde el báltico Jakob Michael Reinhold Lenz (1751-1792), arbitrario, falsamente vehemente en sus dramas, conmovedoramente ingenuo en la lírica, se gastó muy pronto y acabó loco. Y por último el rebelde Friedrich Maximilian von Klinger (1752-1831), de Francfort, que perseguía a toda costa lo excesivo y perturbador. De él dijo Wieland que «bebía la sangre de los leones y devoraba carne cruda». Junto a esto, poemas tormentosos, nacidos sobre todo de la pasión política, apuntan contra los tiranos: unas veces el ebrio cantor del libertinaje individual, Wilhelm Heinse (1746-1803), cuya jugosidad plebeya crea obras más importantes cuando canta la soberanía del cuerpo y la vida de los instintos; otras Friedrich Leopold Stolberg (1750-1819), traductor de Osián, de Platón, de Esquilo, de Homero y de San Agustín, uno de aquellos socios entusiastas de la federación del «Hain», de Gotinga, que eligen como patrón a Klopstock, queman solemnemente el retrato de Wieland, organizan bailes para hombres solos, a la luz de la luna, en torno al roble de la Federación y con el corazón hinchado de entusiasmo se prometen la fidelidad de los bardos teutónicos.
En Württemberg, Christian Schubart (1739-1791), temperamento desenfrenado, pasó muchos años encerrado en una fortaleza, purgando la audacia de sus cantos a la libertad. Él transmite su ardor al único creador verdaderamente genial del «Sturm und Drang» revolucionario, el joven Schiller, que escribió en secreto el drama «Los bandidos» y en él expresó los anhelos de esta generación, una titánica protesta con fondo pesimista, impregnada de crítica a la sociedad y de culto al héroe; y en lugar de perderse en vana fraseología personajes de carne y hueso y crea los convierte en símbolos de algo eterno: Franz Moor es la encarnación de la rebeldía del hombre señalado por su propia naturaleza y por el destino y Karl Moor, una síntesis de la pretensión humana de juzgar al mundo fatalmente condenada al fracaso.
También en los idilios corre ahora una sangre más fresca. Johann Heinrich Voss (1751-1826), de Mecklenburgo, conocido por su traducción de Homero y como poeta-pintor del Palatinado, en vez de la galantería pastoril nos presenta campesinos de verdad, mientras que en las escenas de género del pintor Müller la naturaleza vive casi sensual y auténticamente como en el «Sueño de una noche de verano», de Shakespeare. En la lírica, Gottfried August Bürger (1747-1794), de Halberstädt, halló el verdadero tono popular: de su «Leonora» arranca la balada, tan característica de la poesía alemana. Al lado de Bürger, Ludwig Hoelty (1748-1776) se entrega a sueños más o menos osiánicos en romances agridulces, mientras que Johann Heinrich Jung-Stilling (1740-1817) ablanda los corazones con novelas empapadas de místico pietismo, y su amigo y afín, el zuriqués Johann Kaspar Lavater (1741-1801), fisiógnomo, hace progresar el sentido del perfil de la personalidad, pero en su manía de individualizar lo exagera todo místicamente, pues en ninguna parte encuentra caracteres cerrados, rotundos; y aun a veces, llevado de su fe en los espectros, y a pesar de toda su agudeza fisiognómica, se deja engañar por bribones como Cagliostro. Pero a pesar del lirismo como base de todos los géneros literarios, sólo dos hombres alcanzan un valor duradero: Johann Peter Hebel (1760-1826), autor del calendario «El amigo del hogar renano», que, como una fuerza de expresión concreta y sonriente, crea en su dialecto el verdadero arte de la patria; y Matthias Claudius (1740-1815), cuya prosa rimada y estrofas cantables están llenas del vigor de la tierra y de honda piedad religiosa. Uno y otro personifican del modo más puro lo que Herder concibió como poesía popular, lo que él mismo no fué capaz de crear.
El enmascaramiento genérico del sueño de los héroes Adolfo Bioy Casares. Enmascaramiento genérico se denomina al proceso por el cual una obra aparenta someterse a las reglas de un género determinado para disimular literalidad. A través de este fenómeno, el texto utiliza un modelo genérico para originar en él cambios básicos que conducen a una […]
El CORAJE como valor representativo de la identidad argentina: Bioy Casares y Borges — By Aldana Muñoz
Sección: Las mujeres de mi revolución Sábado, 22 de abril. 2023 Silvina Ocampo, con traje de tenis La versátil producción de Silvina Ocampo (1903-1994) la convierte en una de las referencias centrales de la narrativa latinoamericana contemporánea, sin embargo, dice Edgardo Cozarinsky: «Durante décadas Silvina Ocampo fue el secreto más guardado de las letras argentinas. […]
SILVINA OCAMPO. Por Aldana Muñoz
Banksy es un artista callejero anónimo de Bristol que alcanzó fama internacional entre finales de la década de 1990 y el día de hoy principalmente por pintar ilegalmente con esténcil y aerosol en varias ciudades del Reino Unido y de los Estados Unidos. La cultura del grafiti es antigua, pero sus formas más recientes fueron […]
Banksy Abolición — By Aldana Muñoz
En la historia de la humanidad, donde la dominancia se institucionaliza y deja de ser función de competencia personal, como es todavía el caso en las sociedades primitivas, ya no es necesario que el dirigente esté en constante posesión de sus facultades sobresalientes, y en realidad ni siquiera es necesario que las tenga.
El sistema social condiciona a la gente para que vean en el título, el uniforme o lo que sea la prueba de que el jefe es competente, y mientras estén presentes esos símbolos, respaldados por todo sistema, el hombre común y corriente no se atreve siquiera a preguntarse si el rey está verdaderamente vestido.
La invención de Morel (1940) se considera internacionalmente la más difundida e investigada entre todas las novelas de Adolfo Bioy Casares’. Un volumen publicado en inglés en 1964 por la University of Texas Press, cuya aparición casi coincidió en el tiempo con la acogida que proporcionó Alain Robbe-Grillet en Francia a esa novela, forma parte […]
La relación texto-imagen: las ilustraciones de Norah Borges para La Invención De Morel
¿Para qué son fuertes los fuertes? ¿Para ayudarnos?¿O sólo lo son para demostrarnos su fuerza?
«Desconfío de todo aquel que ME OFRECE SU AYUDA. Estoy convencida de que solamente lo hace con el fin de ALARDEAR SUPERIORIDAD.» —Así de miserable puede ser quién se vanagloria de ser humano—
¿DE QUÉ CONVIENE PROTEGERNOS?
DOS PREMISAS ENRAIZADAS EN LA CERTEZA:
✓ existe la debilidad
✓ existen los idiotas
Hay idiotas que se dedican a serlo con absoluto profesionalismo y así usufructuar con la capacidad de realización otros.
Paradigmas que nos den vuelta la tuerca para salir de lugares INSOSPECHADOS pero no por ello, menos lamentables. ¡Uy! ¿Y SI EN REALIDAD EL IDIOTA SOY YO? ¡No Te duermas como se durmió el CORNUDO! Tené «CUIDADO CON EL CONFORT DEL IDIOTA»: Una forma de ser pelotudo con réditos mediante la trampa de la solidaridad.
COMBATAMOS EL CONFORT DEL IDIOTA
✓DETECTEMOS DÓNDE SOMOS IDIOTAS NOSOTROS, PORQUE LOS PRESUPUESTOS AVANZAN A PASO REDOBLADO, Y PASAN COMO ALAMBRE CAÍDO DELANTE DEL instalado carácter acomodaticio que nos sostiene en la nube de la pelotudez CON EL PELIGRO DE SUCUMBIR PARA SIEMPRE EN LA IDENTIDAD DEL IDIOTA CONGÉNITO. ¿NO PENSÁS EN LA POSIBILIDAD DE ESTAR SIENDO IDIOTA DE ALGUIEN?
¡CUIDADO CON EL CONFORT DEL IDIOTA!: PORQUE AL PAN, PAN; AL VINO, VINO; AL RENGO, RENGO Y, EN DEFINITIVA: TODOS SOMOS IDIOTAS DE ALGUIEN.
Un afecto desde el alma incomoda por la fortuna de la existencia. Buen feriado al orgullo del argentino que se siente afortunado por la conquista española. Sí. Siempre agradece en silencio pero sin caretear la pena que no siente ante los originarios que, de calladitos a, nos dejaron la peor vena intrínseca que nos otorga la distinción: espejitos de colores compraron y ETERNAMENTE habremos de comprar.
Escribir cada día 15 minutos, es proteger un santuario Salinger Y editar es proteger el santuario de los demás escritores. Anoche en una película una joven escritora aprende el oficio de ser editora. Su inexperiencia me recordó aquellos años juveniles donde uno tiembla ante la bravuconería de los demás. En Masticadores edito ( y mi […]
Calabria —01 by j re crivello
Jorge Luis Borges, el escritor que a sus 55 años quedó ciego y siguió creando, hasta que el 14 de junio de 1986, en Ginebra, Suiza, un enfisema pulmonar terminó con su vida.Su muerte fue vista en todo el mundo como una enorme pérdida para la literatura tanto nacional como mundial. Poeta, cuentista y ensayista, […]
Jorge Luis Borges y la ceguera — By Aldana Muñoz
Fedor M. Dostoievski nació en 1821 en el Hospital de Pobres de Moscú, donde su padre era médico. En ese establecimiento, llamado Hospital Mayor, se recibía a los menesterosos, alienados y niños abandonados, y allí, en una ala del edificio, vivía el doctor Mikail Andreevitch Dostoievski con su esposa María Fedorovna. El pequeño Fedor fue […]
FEDOR M. DOSTOIEVSKI: un titán de la literatura — By Aldana Muñoz
Aunque nació en Austria (1890) Fritz Lang se educó en Alemania y tenía la ciudadanía alemana. Rehusó acomodarse a los deseos de su padre y ser arquitecto y dejó Austria para estudiar pintura en Munich. Más tarde e influenciado poramigos decidió empezar a viajar a través del mundo llegando a visitar lugares exóticos como el […]
Filmografía durante el exilio alemán (1933/ 1945) «Fritz Lang, Metrópolis 1927»
Federico García Lorca (1898-1936) Lo mataron, como en una coreografía, junto a una hilera de olivos. El tiempo, pese a sus muchos laberintos, no ha conseguido acallar el eco de los disparos desnudos. Acaso no haya otro escritor en castellano que sume una escenografía tan bárbara: poeta, gay, vanidoso, genial, señorito andaluz, teatrero, celebrity, víctima […]
«Hizo más daño con la pluma de lo que otros hicieron con el revolver»✒️
– ANDAR COMO BOLA SIN MANIJA:Esta expresión es bien vernácula, ya que procede de las pampas argentinas, desde donde migró hacia otros contextos hasta ser usada en todo el país, sin distinción de sectores sociales. Es muy gráfica y apunta a los casos en que algo o alguien no tiene muy en claro su rumbo, […]
FRASES Y MODISMOS ARGENTINOS — By Aldana Muñoz
Para entender el verdadero significado de la filosofia de Niebla es preciso señalar la importancia que tiene la alusión al concepto de la vida como sueño y al simbolo de Don Quijote -tantas veces hermanado con Segismundo en toda su obra, especialmente a partir de La vida de Don Quijote y Sancho (1905)-, la presencia […]
Niebla de Miguel de Unamuno y «La Vida es Niebla» — By Aldana Muñoz
Julio Sosa publicó el l8 de febrero de 1964, su único libro de poemas: «Dos horas antes del Alba», que prácticamente sin publicidad fue un éxito de librería. Dejó impresos en aquellos versos una faceta de su alma inquieta y soñadora. Mostraba en sus pormenores casi grotescos realidades que lo asqueaban, y también describía con […]
Julio Sosa: la voz del tango y un poemario By Aldana Muñoz
Piezas fundamentales en cuanto a tenor artístico que, sin embargo, carecen de sobreexposición y popularidad. De líricas profundas y complejidad en las composiciones, conforman así una amalgama identitaria de los verdaderos fanáticos de la banda.
TIME IS ON MY SIDE – 1964.
Una buena muestra de lo que fueron los inicios stoneanos, con discos íntegramente formados por versiones de temas conocidos y menos conocidos como su influencia primigenia: el blues estadounidense. En esta ocasión, Sus Satánicas Majestades tomaron prestada una canción popularizada por la gospeliana Irma Thomas un año antes. Esta faceta se caracteriza por la preponderancia del atributo melódico distintivo y propio de la época, con una apasionada interpretación de Jagger, que preludiaba lo que estaba por venir, y una magnífica guitarra de Richards. Su primera entrada fue en el Billboard estadounidense (llegó al número 6) y, sobre todo, un tema magnífico, toda tensión y sensualidad.
UNDER MY THUMB – 1966
Seguramente su inclusión como ‘joya oculta’ pueda ser discutible, puesto que es una de las indiscutibles canciones ‘top» de los Stones, pero ninguna lista recopilatoria de los Stones puede estar completa con la ausencia de un tema tan definitivo. Perteneciente al álbum ‘Aftermath’, pese a no ser lanzada como single nada más que en Japón, ‘Under my Thumb’ pronto se convirtió en uno de los puntales del repertorio stoneano y uno de los emblemas del crecimiento de Jagger y Richards como compositores. No es de extrañar, un ritmo embriagador y exótico, no muy lejano al soul que ya disfrutaba de su esplendor en EE.UU (había un señor por allí llamado Otis Redding partiendo la pana) sirve de colchón perfecto para una descarnada y enérgica interpretación de Jagger, que canta una letra de autoafirmación sexual en la que se jacta de haber doblegado los aires de superioridad del objetivo femenino, una letra que levantó no pocas ampollas en el creciente movimiento feminista de aquella época. Tristemente, ‘Under my Thumb’ también se convirtió en célebre por ser el tema que la banda tocaba cuando ocurrió la simbólica muerte de Meredith Hunter en el Festival de Altamont (y no ‘Simpathy for the Devil’ como cree la mayoría de la gente).
MOTHER’S LITTLE HELPER –1966
Otra gran muestra del crecimiento de la banda en ‘Aftermath’. Imbuidos del espíritu de la época, en medio de la fiebre experimentadora del principio de la segunda mitad de los años sesenta, The Rolling Stones, con el malogrado Brian Jones liderando este empeño, no dudaron en dejarse llevar y aplicar instrumentos orientales como el sitar (aquí simulado con una guitarra). El ejemplo paradigmático es ‘Paint it Black’. Más pop y ligera, pero igual de virtuosa a la hora de fusionar lo occidental y lo oriental es este punzante recordatorio de las sombras de la sociedad británica bienpensante de la época y las ‘sustancias’ a las que recurrían las amas de casa para soportar su triste carga de trabajo.
SWAY – 1971
Sin duda alguna, se trata de un álbum excelso de The Rolling Stones, ‘Sticky Fingers’ que, debido a tal atributo, algunas canciones magistrales se han desdibujado por preponderancia de otras, quedado en un plano anodino para la vox populi. Uno de esos casos es ‘Sway’, un magnífico blues que suena imponente, con esa mágica producción de Jimmy Miller, y que demuestra la solidez musical que alcanzaron los Stones con el enorme guitarrista Mick Taylor, que siempre ha reclamado la coautoría de este tema, que se desliza simple, gloriosamente desnudo hasta un portentoso final en el que un solo de Taylor se entremezcla con el piano y la sección de cuerda y hacen que acabe por todo lo alto. Una joya a recuperar, sin duda.
CAN’T YOU HEAR ME KNOCKING – 1971
‘Can’t you Hear me Knocking’ no fue un single famoso ni es la más reclamada por la masa en sus conciertos, sin embargo, para mucho de sus seguidores acérrimos es una las diez mejores canciones de la banda y probablemente de las tres o cuatro mejor conseguidas a nivel técnico. Un gran riff bluesero de Richards, no muy lejano al de ‘Sway’, da inicio a la canción, engrandecida por unos magníficos coros en el estribillo, hasta que el panorama cambia y el tema se vuelve instrumental, con un gran solo de saxo de Bobby Keys apoyado por unas congas que le dan un irresistible sabor latino (innegable es la influencia del en aquel año ya consolidado Santana), uniéndose poco después para completar la fiesta Mick Taylor (sí, el mejor guitarrista que nunca haya pasado por el grupo). Una canción portentosa, de cuando todo parecía posible.
ROCKS OFF – 1972
Pocas canciones pueden definir el rock’n’roll tan bien como la que abría otra de las obras maestras de los Stones, ‘Exile on Main Street’. Perfecto aperitivo del álbum, un rock trepidante, con la producción sucia pero llena de ‘feeling’ que caracteriza a ese disco, el perfecto riff de Richards, el omnipresente piano del gran Nicky Hopkins, los desgarradores gritos de Jagger y el color que le da la sección de metales comandada por Bobby Keys configuran una de esas canciones que hay que escuchar antes de morir si te haces llamar rockero.
AIN’T TOO PROUD TO BEG – 1974
Ya a estas alturas, mediados de los 70, The Rolling Stones ya no echaban mano continuamente de versiones como hacían en sus inicios. Sin embargo, sí era habitual que homenajearan a algunas de sus canciones favoritas de la época en cada disco. Este es el caso de ‘Ain’t too proud to beg’, un éxito de los míticos The Temptations en el que los Stones hacen su aproximación más fiel al soul. La ‘rockerización’ de la canción es pèrfecta, llena de vigor y ritmo, convirtiéndose en uno de los momentos álgidos de uno de sus discos clásicos. ‘It’s Only Rock’n’Roll’.
RESPECTABLE – 1978
En pleno esplendor del punk, The Rolling Stones fueron uno de los ‘viejos dinosaurios’ que mejor se adaptaron a las circunstancias. ‘Some Girls’, quizá la última obra maestra stoniana, contiene varios guiños al género preferido por Johnny Rotten pero pocos tan evidentes como ‘Respectable’, una sátira sobre una mujer que quiere olvidar su origen humilde y entrar en la alta sociedad, en la que el grupo aceleró el ritmo sin renunciar al más genuino rock’n’roll, logrando como resultado una canción de lo más vibrante que nunca fue mejor definida que con esta aseveración de Jagger: «punk meets Chuck Berry». Pues eso.
NEIGHBOURS – 1981
‘Tatto You’ fue una inmejorable manera (e insuperada después) para los Stones de entrar en la década de los 80. Lejos de adocenarse, Sus Satánicas Majestades nos entregaban un álbum plenamente vigoroso, volviendo a ocupar el trono del rock’n’roll, conjugando como nadie madurez con espíritu joven. Una muestra irrefutable es este rock’n’roll simple y rápido pero que con esa divertida letras sobre las peleas de Richards con sus vecinos, el clásico empuje de Charlie Watts a la batería y ese vertiginoso saxo de Sonny Rollins se convierte en toda una delicia.
ROCK AND A HARD PLACE – 1989
A pesar de que fue un álbum con grandes críticas en su lanzamiento, pocos reivindican hoy en día ‘Steel Wheels’, en mi opinión un gran disco y el segundo mejor de los Stones en los 80. Se trata de un álbum muy variado pero siempre he tenido debilidad por el que fue su segundo single, ‘Rock and a Hard Place’, una de esas canciones con las que la banda quiere introducirse en la música que se lleva en ese momento. Aquí lo logran plenamente con una base funky, un riff tremendamente vigoroso y trepidante y unos coros femeninos que contribuyen a lo que en realidad es: un gigantesco ‘hit’ bailable que confirmaba la versatilidad de la banda.
2000 LIGHT YEARS FROM HOME – 1967
Es un consenso ya generalizado el que dicta que ‘Their Satanic Majesties Request’ es un álbum fallido. La banda veía como en apenas unos meses varios grupos le habían adelantado por la derecha y se habían adentrado con éxito en la psicodelia, entre ellos The Beatles y The Beach Boys, y quisieron ser parte de la música más ‘cool’ de aquel momento. Una decisión un tanto forzada que dejaría al susodicho disco entre lo menos destacable de la gloriosa década de los 60 stoniana. Pero siempre hay excepciones y, sin duda, ‘2000 Light Years from Home’ es una de las más sonadas. El más logrado intento psicodélico del grupo es una canción lánguida, misteriosa, guiada por el mellotron de un entusiasmado Brian Jones, que veía recompensadas sus ansias experimentales, unos atractivos juegos de guitarra y una letra espacial, precursora de futuras maravillas como el ‘Space Oddity’ de David Bowie. Un largo viaje en apenas cinco minutos. Disfrútenlo,
DANDELION – 1967
Si los años 60 es la época de esplendor del pop, The Rolling Stones no podían estar fuera del invento y grabaron pocas pero grandiosas muestras del género, sin nada que envidiar a colosos como The Beatles, The Kinks o incluso a nombres menos legendarios pero tan enjundiosos como Lovin’ Spoonful. ‘Dandelion’ es eso, puro pop. Una canción tremendamente vitalista, con un estribillo adictivo a más no poder y el clavicordio omnipresente de Nicky Hopkins. Una verdadera maravilla poco conocida incluso entre algunos fans de los Stones que curiosamente tiene una versión de 1966… ¡cantada por Keith Richards! (nunca me habría imaginado a Keefe en tesituras tan poppies). Y los rumores apuntan a que los Beatles intervinieron en los coros del tema, al igual que hicieran en la que fuera la cara A del single en el que vio la luz nuestra canción, ‘We Love You’. Sea como sea, escuchen esta canción y parecerá que regresa la primavera.
LET’S SPEND THE NIGHT TOGETHER – 1967
Perfecta muestra de la simbiosis perfecta entre el pop más clásico y el rock característico de los Stones, ‘Let’s Spend the Night Together’ permanece como uno de los grandes clásicos sesentosos de la banda y se ha asentado como una habitual en las últimas giras. No es para menos. La canción, propulsada desde su inicio por los coros que no paran de repetir «la, la,la» y el piano de Jack Nitzsche, comienza potente pero va ganando más y más intensidad con un estribillo ejemplar, con el Jagger más lascivo cantando con maestría una letra de lo más explícita (y que causó y sigue causando problemas de censura al grupo) y un progresivo endurecimiento que al final sitúa la canción en el más puro rock‘n’roll. Bowie lanzó una buena versión en 1973, pero la canción de los Stones es sencillamente inigualable.
MIDNIGHT RAMBLER – 1969
Estamos en 1969. Los Rolling Stones han dejado atrás sus inicios y sus titubeos y ya han consolidado su sonido, dejando atrás la muerte del siempre recordado Brian Jones. Ya no hay coqueteos con el pop, los Stones se han decantado por el rock y, sobre todo, por los sonidos americanos. El blues siempre ha estado ahí pero en esta época vuelve a colocarse en primer plano en el imaginario stoniano. Mick Jagger y Keith Richards juguetean con una guitarra y una harmónica durante una estancia en Italia, parece que hay algo sobre lo que se puede trabajar, los dos siguen tocando y se sorprenden al comprobar que un monstruo está naciendo. Sí, están dando a luz a ‘Midnight Rambler’, una de las numerosas cumbres musicales del grupo. Lo que parece ser un número típico de blues se va alargando, los Stones van creando poco a poco una jam gloriosa, improvisando con gusto y seis minutos después (en la versión de estudio), aún impactado, te sorprendes cuando hay gente que critica a los Stones por no ser grandes virtuosos de sus instrumentos. Que callen y escuchen esta maravilla, a la que Richards bautizó inmejorablemente como «a blues opera», cuyo protagonista lírico es, ni más ni menos, que el Estrangulador de Boston.
BITCH – 1971
Una vez más, retorno invariable al soberbio ‘Sticky Fingers’ y, en uno de esos temas que lo tenían todo para ser un megaéxito y no lo fue, seguramente por la decisión de la banda de relegarlo a cara B de, éste sí, el exitazo ‘Brown Sugar’. Sin embargo, es otro de la vasta ristra de clasicos stonianos. Perfecta mezcla entre el sonido más puramente rockero del grupo con el funk que empezaba a descollar en la época. Ese tremebundo riff de guitarra es pura música negra, enérgica y visceral, algo que se acrecienta con el acompañamiento magistral de la sección de viento. Ah, el funk, esa música con la que tanto les gustaría jugar a los Stones en épocas venideras. Quedémonos aquí, con su prueba primigenia en el género y su evocadora y sexual letra.
DEAD FLOWERS – 1971
‘Dead Flowers’ es la reválida de la introducción de los Stones en el country, ya iniciada con el ‘Country Honk’ del ‘Let it Bleed’, merced, sobre todo, a la creciente amistad de Keith Richards con uno de los grandes actualizadores del folk americano, el legendario Gram Parsons. Pese a las críticas que recibieron por parte de los más puristas, es palpable lo bien que supieron adaptar Sus Satánicas Majestades su sonido al de un género absolutamente ajeno a ellos no hace tanto tiempo. El tempo relajado y alegre del tema, acentuado por su fenomenal y tarareable estribillo, contrasta con la oscuridad de la letra, que evoca un amor imposible con aires de tragedia y referencias a la heroína, tan presente en aquel tiempo en el día a día de la banda.
YOU GOTTA MOVE – 1971
En los 70′, Rolling Stones giraron su cabeza completamente hacia EE.UU y su vasta tradición musical. Que mejor muestra que este blues de pura cepa, cosecha del Delta del Mississippi, una fidedigna versión de un clásico de Fred McDowell escrito conjuntamente con el Reverendo Gary Davis, otra institución de la música tradicional americana. La visión stoniana del tema es seca y árida, perfecta para estas lides musicales, con un notable acento gospel tanto en la voz de Jagger como en el acompañamiento vocal de Richards. Una muestra más del buen hacer de la banda con la música de raíces y, si no, compárese esta versión con la (muy inferior) que hicieron Aerosmith más de treinta años después.
HOT STUFF – 1976
Nos situamos en el comienzo de la segunda mitad de los años 70. ¿Y eso que significa? Esplendor del álbum conceptual, del rock sinfónico, nueva y periódica mutación de Bowie, víspera de la irrupción del movimiento punk, sí, todo eso es cierto, pero también lo es que el funk reinaba. Como ya dijimos anteriormente, los Stones no fueron ni mucho menos ajenos a esto. Dentro del controvertido y aventurero ‘Black and Blue’ (aunque a mi siempre me gustó, que conste), se encuentra ‘Hot Stuff’, la incursión más profunda de la banda en el funk hasta ese momento. Una letra simple pero muy acorde con el género, un riff de bajo canónico de Bill Wyman, la mastodóntica y a la vez sencilla bateria de Charlie Watts, percusiones varias y los dibujos de guitarras de Richards y el ex Canned Heat Harvey Mandel, uno de los numerosos guitarristas que optaron a obtener el puesto vacante de Mick Taylor que acabó siendo para Ron Wood, conforman una buena muestra del interés de los Stones de aquel tiempo en sonar en las pistas de baile. Seguramente se ciñe demasiado a los tópicos del género, pero que duda cabe que los pies comienzan a tener vida propia cuando suena este tema.
MISS YOU – 1978
Y después de que el funk se fuera apoderando poco a poco del alma de los Stones, en 1978, en un disco por otra parte tan rockero como ‘Some Girls’, llegó ‘Miss You’, la canción discotequera de la banda por excelencia. Estamos en plena ebullición de la noche neoyorquina, con Studio 54 divirtiendo y destrozando la vida a miles de jóvenes, y los Stones están justo en el ojo de la tormenta. Un Jagger poniendo a prueba su falsete con sus «oohhh» y «aahh», otro riff de bajo netamente funk de Wyman y, con especial protagonismo, la armónica de Sugar Blue componen el eje central de lo que fue un disparo en el centro de la diana. Fue directo al número 1 estadounidense, ejerciendo de perfecto enganche vendible de un álbum, por otra parte, no demasiado comercial, se convirtió en un clásico imprescindible en sus giras (sobre todo por los sensuales jueguecitos de Jagger con Lisa Fischer) y accedió directamente al podio de las incursiones de rockeros en la música disco, junto al ‘I Was Made for Lovin’ You’ de Kiss y el ‘Da Ya Think I’m Sexy?’ de Rod Stewart.
MIXED EMOTIONS – 1989
‘Mixed Emotions’ no es una de las canciones más conocidas de los Stones, pero sí fue un tema importante en su momento. Además de suponer un ‘single’ de éxito para la banda dentro del disco que reflejaba la reconciliación de la dupla Jagger/Richards tras sus agitados años 80, representa la perfecta unión de los dos mundos entre los que se movieron los Stones durante esta etapa. ‘Mixed Emotions’ tiene el arranque fiero, el riff afilado y los rítmicos baqueteos de Charlie Watts que muestran el lado más rock pretendido por Richards, mientras que Jagger aporta su gusto por el pop comercial de la época con un estribillo precioso y comercial como pocos, aupado por los coros de, entre otras, nuestra querida Lisa Fischer. En este sentido, uno de los temas más significativos de la última época stoniana, antes de discos en los que retomban su sonido más rockero (‘Voodoo Lounge’, ‘A Bigger Bang’) y de una de sus intentonas comerciales menos afortunadas (‘Bridges to Babylon’).
Destruir instrumentos en escena es un rito propio del rock. Uno de los máximos exponentes de esta maravillosa costumbre, y acaso el pionero, nos revela sus secretos.
AQUÍ, LAS DECLARACIONES DE UN GRUPO PIONERO EN DESTROZO DE INSTRUMENTOS MUSICALES.
Los Who nos hicimos famosos, entre otras cosas, por destrozar los instrumentos al final de los recitales. Esto suponía el climax de un recital, una demostración suprema de rock, que en su furia y su salvajismo, destruyendo la propia música, los propios instrumentos, se destruía a sí mismo. Aunque, en realidad, nosotros lo hacíamos básicamente porque a la gente le gustaba ver un show con acción, de la misma manera que gusta más una película de cine catástrofe que una de esas películas polacas donde no pasa nada. Últimamente también hay peliculas iranies donde no pasa nada. Y si me dan a elegir entre una película así y una de Bruce Willis, no lo dudo. Y la gente tampoco. Así es como funciona el asunto de romper instrumentos y hacer bardo en el escenario. El tema es que muchos quisieron hacer lo mismo después de que nosotros lo inventamos. Pero fracasaron. ¿Por qué? Porque para hacer pelota un instrumento en escena hay que seguir ciertas reglas.
DESTROZAR INSTRUMENTOS: CÓMO HACERLO EN FORMA CORRECTA
Lo primero para asegurarse de romper una guitarra es tener la convicción de hacerlo. Y eso se logra teniendo una guitarra de repuesto, o por lo menos la plata para comprar una nueva.
El que tiene otra rompe con convicción 👇
El que tiene una única guitarra lo hace en forma tímida, tratando de que se rompa lo menos posible. Cómo pegarle contra el piso 👇
Las guitarras sólidas, es decir sin caja, son mucho más dificiles de romper que las que tienen caja. Yo rompí las sólidas, porque las de caja se rompen enseguida y el asunto del destrozo se termina rápido.
La golpeaba varias veces, y la guitarra aguantaba. Hasta que en un momento. cuando sentía que los golpes ya empezaban a aburrir, le daba con cierto chanfle contra el piso, lo que provoca que la guitarra se parta, o por lo menos que el mango se desprenda del cuerpo. Esto da el efecto de guitarra destrozada.
La idea es tomar la guitarra como si fuera un hacha, por el mango. Y darle con el cuerpo contra el piso👇
Al revés no tiene el mismo efecto y es más difícil de agarrar. Hay que cuidar de no tener un pie muy adelantado 👇
Teniendo muchas guitarras o dinero, romper una guitarra es un acto de rock. Romper la única que se tiene puede ser mucho más rock, pero también es ser un pelotudo.
Así fue como Jimmy Page lo quiso hacer en agosto del 69 y terminó con una bota de yeso y sin poder jugar en un cuadrangular de bandas que toman ácido lisérgico 👇
También hay que cerrar los ojos en el momento del impacto y un segundo después del mismo, para evitar que algunos elementos provoquen daños oculares 👇
EL DESTROZO DEBE SER RESPONSABLE
En el rock, la comunión con el público es importante. Por eso no está mal arrojar los instrumentos a la platea, aparte de destrozarlos.
Si se arroja un instrumento al público, hay que amagar un poco antes, para que la gente se prepare a recibirlo y no se sorprenda con una Stratocaster partiéndole d tabique.
En el caso de los bateristas pueden arrojar palillos y bombos. Pero nunca un platillo a modo de frisbee o disco de esos con los que se juega en la playa. Así se aminó la carrera Darrell Oswald, baterista de The Philbys, que aún cumple condena por decapitar a uno que estaba en la tercera fila.
También es fundamental destruir los instrumentos al final del show. Muchos grupos han buscado originalidad rompiéndolos antes de empezar a tocar y se han visto en el inconveniente de no poder dar el recital, lo que los llevó irremediablemente al fracaso.Son muchas las cosas que se pueden hacer en un escenario con los instrumentos o los equipos, pues además de destrozar la batería, prenderle fuego a la guitarra, a los teclados, al saxo, también podés agarrar al bajista y recagarlo a trompadas.
O también meter un jubilado dentro de un baffle de sonido de 300.000 watts y ver qué onda 👇
El público ama estas actitudes en una banda de rock. Son muestra de entrega y autenticidad. Otros géneros como el jazz o la música clásica no lo permiten. En diversos rubros se ha intentado lograr el mismo efecto. Denzel Spilimbergo, un médico veterinario de Manchester, agarraba a los perros por la cola y los sacudía contra el piso después de vacunarlos, para darle una «onda Who» a la veterinaria. Y sabemos de librerías escolares en las que los empleados destruyen con un hacha las Xerox después de sacar una fotocopia, como una muestra de la pasión por su trabajo. En ambos casos la gente censuró el gesto. ¿Por qué? Porque el rock es de los pocos lugares donde se puede triunfar con actitudes enfermas y primitivas lindantes con la animalidad. Por eso es rock.
En este momento crucial de la historia se produce uno de los fenómenos más curiosos: se acusa al arte de estar en crisis, de haberse deshumanizado, de haber volado todos los puentes que lo unían al continente del hombre. Cuando es exactamente al revés, tomando por un arte en crisis lo que en rigor es el arte de la crisis pero, lo que sucede es que se partió de una falacia. para Ortega y Gasset, por ejemplo, la deshumanización del arte está probada por el divorcio existente entre el artista y su público. No advirtiendo que pudiera ser exactamente al revés, que no fuera el artista el deshumanizado, sino el público. es obvio que una cosa es la humanidad y otra muy distinta el público-masa, Ese conjunto de seres que han dejado de ser hombres para convertirse en objetos fabricados en serie moldeados por una educación estandarizada embutidos en fábricas y oficinas sacudidas diariamente al unísono por las noticias lanzadas por centrales más media, pervertidos y cosificados por una manufactura de historieta y novelones cibernéticos, de cromos periodísticos y placebo burgueses de vinilo.
Mientras que el artista es el único por excelencia, es el que gracias a su incapacidad de adaptación, a su rebeldía, a su locura ha conservado paradojalmente los atributos más preciosos del ser humano. ¿Qué importa que a veces exagere y se corte una oreja o deponga sus eses en cualquier rincón de su casa? Aún así estará más cerca del hombre concreto que un razonable amanuense en el fondo de un ministerio. Es cierto que el artista, acorralado y desesperado, termina por huir a África o a los paraísos del alcohol o la cocaína, a la propia muerte. ¿Indica todo esto que él es quien está deshumanizado?
«Vuestra vida está enferma —escribe Gauging a Strindberg —también ha de estar nuestro arte, y solo podemos devolverle la salud empezando de nuevo, como niños o como salvajes… vuestra civilización es vuestra enfermedad.»
Lo que hace crisis no es arte sino el caduco concepto burgués de la «realidad«, la ingenua creencia en la realidad externa. Y es absurdo jugar un cuadro de Van Gogh desde ese punto de vista. Cuando a pesar de todo se lo hace —¡y con qué frecuencia— no puede concluirse sino lo que se concluye: que describen una especie de irrealidad, figuras y objetos de un territorio fantasmal, productos de un hombre enloquecido por la angustia y la soledad.
el arte de cada época trasunta una visión del mundo y el concepto que esa época tiene de la verdadera realidad, esa visón está asentada en una metafísica y en un ethos que le son propios.
Para los egipcios, por ejemplo, preocupados por la vida eterna, este universo transitorio no podría constituir lo verdadera mente real: de ahí el hieratismo de sus grandes estatuas el geometrismo que es como un indicio de la eternidad, despojados al máximo de los elementos naturalistas y terrenos, geometrisme que obedece a un concepto profun do y no es, como algunos apresuradamente creyeron, in capacidad plástica, ya que podían ser minuciosamente naturalistas cuando esculpian o pintaban desdenables esclavos. Cuando se pasa a una civilización mundana co mo la de Pericles, las artes hacen naturalismo y hasta los mismos dioses se representan en forma «realista», pues para ese tipo de cultura profana, interesada fundamen talmente en esta vida, la realidad por excelencia, la «verdadera» realidad es la del mundo terrenal. Con el cristianismo reaparece, y por los mismos motivos, un arte hierático, ajeno al espacio que nos rodea y al tiempo que vivimos. Al irrumpir la civilización burguesa con una clase utilitaria que sólo cree en este mundo y sus valores materiales, nuevamente el arte vuelve al naturalismo. Ahora en su crepúsculo, asistimos a la reacción violenta de los artistas contra la civilización burguesa y su Weltanschauung. Convulsivamente, incoherentemente muchas veces, revela que aquel concepto de la realidad ha llegado a su término y no representa ya las más profundas ansiedades de la criatura humana. El objetivismo y el naturalismo de la novela fueron una manifestación más (y en el caso de la novela, paradojal) de ese espíritu burgués. Con Flaubert y con Balzac, pero sobre todo con Zola, culmina esa estética y esa filosofia de la narración, hasta el punto de que por su intermedio estamos en condiciones no sólo de conocer las ideas y vicios de la época sino hasta el tipo de tapizados que se acostumbraba. Zola, que hizo la reducción al absurdo de esta modalidad, llegó hasta levantar prontuarios de sus personajes, y en ellos anotaba desde el color de sus ojos hasta la forma de vestir de acuerdo con las estaciones. Gorki malogró en parte sus excelentes dotes de narrador por el acatamiento de esa estética burguesa (que él creía proletaria), y afirmaba que para describir un almacenero era necesario estudiar a cien para entresacar los rasgos comunes, método de la ciencia, que permite obtener lo universal eliminando los particulares: camino de la esencia, no de la existencia. Y si Gorki se salva casi siempre de la calamidad de poner en escena prototipos abstractos en lugar de tipos vivos es a pesar de su estética, no por ella; es por su instinto narrativo, no por su desatinada filosofia.
Muchas décadas antes de que Gorki se entregara a esta concepción, Dostoievsky terminaba de destruirla y abría las compuertas de toda la literatura de hoy en las Notas desde el subterráneo. No sólo se rebela contra la trivial realidad objetiva del burgués sino que, al ahondar en los tenebrosos abismos del yo encuentra que la intimidad del hombre nada tiene que ver con la razón, ni con lógica, ni con la ciencia, ni con la prestigiosa técnica.
Ese desplazamiento hacia el yo profundo se hace luego general en toda la gran literatura que sobreviene: tanto en ese vasto mural de Marcel Proust como en la obra aparentemente objetiva de Franz Kafka.
«Yo me encontré con Cortázar en París, en casa de Néstor Ibarra. Él me dijo: “¿Usted se acuerda de lo que nos pasó aquella tarde en la diagonal Norte?”. “No”, le dije yo. Entonces él me dijo: “Yo le llevé a usted un manuscrito. Usted me dijo que volviera al cabo de una semana, y […]
Borges sobre Cortázar — By Aldana Muñoz 🇦🇷
¿QUÉ SE HACE CUANDO SE LOGRA GANAR DINERO?
Se invierte en un estudio propio. Se compra droga y se compra alcohol. Se pagan los impuestos. Se ahorra para cuando se termine el éxito y haya que comprar drogas y alcohol.
¿QUÉ GASTOS PUEDEN SERVIR PARA DESCONTAR DEL IMPUESTO A LAS GANANCIAS?
Gastos de traslados, instrumentos, materiales de estudio. Hay que tener especial cuidado de no poner «Compra de drogas y alcohol» en un formulario de deducción de impuestos.
¿CÓMO PROCEDER SI UN INTEGRANTE DE LA BANDA SE ALCOHOLIZA O SE DROGA DEMASIADO?
Depende de su función dentro de la banda. Si no compone o es el baterista, se lo despide, sin miramientos. En el caso de que sea el lider, el tema es más delicado. Sobre todo si, estando alcoholizado o drogado, debe firmar cheques o es el que tiene el talonario de facturas. Por eso hay que estar atentos a sus movimientos y tener actitudes individualistas. El hecho de que el público lo reconozca más que al resto puede hacerlo caer en la tentación de soñar con quedarse con toda la recadación en lugar de dividirla por cuatro. No hay que olvidar que el lider de una banda es un solista en potencia. Por eso al líder se lo sigue, pero también se lo vigila. No en vano se ha dicho: «Los hombres son buenos pero si se los vigila son mejores (Juan Domingo Perón).»
¿QUÉ HACER EN CASO DE TRIUNFAR Y QUE SE NOS MUERA EL CANTANTE?
Hay diferentes opciones: cambiar el nombre de la banda, llamar a otro cantante u ocultar la noticia y buscar a un tipo bastante parecido.
¿POR QUÉ CUANDO ALGÚN CANTANTE MUERE SE LO VALORA MÁS O VENDE MÁS DISCOS?
No sé. Ocurre en todas las áreas del arte y del espectáculo. Es un aspecto de público que puede ser morboso, necrófilo, oscuro, irracional, imbécil, indigno, bajo y repugnante. Hay que respetarlo.
¿HAY QUE RESPETAR AL PÚBLICO?
No.
¿CÓMO DEBE SER LA RELACIÓN CON EL PÚBLICO?
Hay artistas que tienen una relación entre demagógica y obsecuente, con la carga de miseria humana que ello implica. Sin embargo, esto es lo más recomendable. Una actitud fría y distante puede generar respeto, pero no aporta mucho si hay que llenar River.
¿QUÉ LE GUSTA AL PÚBLICO?
En general, es un misterio, aunque hay cosas que no fallan: que el cantante aplauda al público, que les diga que los ama, que les diga que son el verdadero espectáculo; si es extranjero, que salga con una bandera argentina o una camiseta de la selección; saludar a la ciudad: «Hola, Buenos Aires», «Buenas noches. Berazategui», «Buenas noches, Quilmes». «Buenas noches, Temperley». El público ama al artista. Quiere, entonces, que el artista lo ame. Este fenómeno no sólo le da calor y emoción al recital como hecho artistico que se convierte en ritual, sino que también es causal de que el artista quizás, después del show, se coja a alguien.
¿POR QUÉ EN MUCHAS RESPUESTAS HAY UNA OBSESIÓN CON EL HECHO DE COGER?
No. No es así.
«YO PUEDO ENNOBLECER CUALQUIER PUESTO» a causa de haber detenido el mando durante cuatro meses más de lo establecido por las leyes, el famoso general tebano Epaminondas fue condenado a realizar ciertas tareas relacionadas con la limpieza de la ciudad. Al conocer el castigo impuesto al vencedor de tantas batallas, muchos amigos llegaron hasta él […]
CUANDO UNA FRASE SE HACE CÉLEBRE — By Aldana Muñoz
Dada la condición del hombre, el artista tiene infinitos motivos de sufrimiento: a veces porque no lo comprenden o porque desata la furia de los mediocres y resentidos. En cualquier caso, su dolor es muy grande, porque sólo una piel gruesa podría defenderlo adecuadamente, y lo característico de un artista es la extremada finura de […]
EL CREADOR FRENTE A LA CRÍTICA — By Aldana Muñoz
Octavio Paz (1914-1998) ocupa un lugar privilegiado entre los fundadores de la poesía hispanoamericana. La recepción del Gran Premio Internacional de Poesía (1963), el Premio Cervantes (1981) y el Premio Nobel (1990) suponen un reconocimiento y a su vez un modelo para las generaciones posteriores. El mismo apoyará a los nuevos poetas prologando la antologia Poesía en movimiento.
Su trayectoria lírica se puede resumir en tres fases: búsqueda e indagación, encuentro y plenitud y, finalmente, regreso y revisión del pasado que resume en el acertado título de su último poema <<Respuesta y reconciliación» (1996). En el existencialismo vivido como angustia por encontrar sus raíces, culmina esta primera búsqueda de la palabra poética (1933-1961). Libros esenciales en este momento son Salamandra y Libertad bajo palabra (integrado por obras anteriores). Los limites entre el final de esta etapa y la siguiente son discutibles, especialmente si tomamos en cuenta poemas como «<Piedra de sol» y «<Blanco», semejantes en cuanto al propósito y diferentes respecto a las conclusiones y la ejecución. Aún así, si consideramos la propia opinión de Paz, la segunda etapa estaría marcada por su viaje a la India en el que culmina el encuentro y plenitud de la palabra poética (1962-1969). Ladera Este, Hacia el comienzo, Blanco, Topoemas, El mono gramático configura este momento. Finalmente (1971-1996) su poesía avanza hacia lo nostálgico y más claramente autobiográfico (Vuelta, Pasado en claro, Árbol adentro, Poemas. 1989-1996).
La iniciación poética se nutre de sus propias lecturas en la biblioteca de su abuelo, Ireneo Paz, bien surtida de escritores franceses y españoles y de historia mexicana. Por aquel tiempo el grupo aure es Contemporáneos, en cuya revista lee a Cuesta, Villaurrutia, Pellicer, Gorostiza… y más adelante a T. S. Eliot, Paul Valéry, Ezra Pound, etc.
Con apenas diecisiete años publica sus primeros poemas en el diario El Nacional y en la revista Barandal y Cuadernos del Valle de México. Su lírica se consolida con la publicación de un cuadernillo, Luna Silvestre (1933), de tono neorromántico.
La conciencia política marca la evolución poética: al terminar en la UNAM sus estudios de Derecho se traslada a la península de Yucatán, donde crea una escuela para hijos de obreros y campesinos. En apoyo de la República española escribe «¡No pasarán!» (1936), producto de su pensamiento político y social. Acompañado de su mujer, Elena Garro, es invitado a participar en el Congreso de Escritores Antifascistas en Valencia, posiblemente a través de Rafael Alberti, a quien había conocido en una lectura poética. Al llegar a Paris, según recuerda, «me encontré en el andén con Pablo Neruda, que me esperaba […] estaba Louis Aragon. Esa misma noche me encontré al otro polo de Neruda: Vallejo». En Valencia conversa con Vicente Huidobro, Antonio Machado, Luis Cernuda, Manuel Altolaguirre, Ramón Gaya, etc. Intelectuales cuya amistad consolida en México. A su regreso pasa por París, donde Carpentier le presenta a Robert Desnos, bien su enlace con el surrealismo en este momento es superfluo. Impactado por la guerra redacta Bajo tu clara sombra y otros poemas sobre España (1937). Su actividad poética se completa con las conversaciones mantenidas con Jorge Cuesta y Xavier Villaurrutia, al tiempo que con Efraín Huerta y Rafael Solana, entre otros, funda la revista Taller (1938), previamente citada.
Su voz más personal se encuentra en la poesia erótica de los poemarios iniciales: Raíz del hombre (1937), Entre la piedra y la flor (1941) y A la orilla del mundo (1941), recopilación que inicia una de sus constantes: la continua modificación de sus libros poéticos. Esta reflexión en torno a su propia obra indica el dinamismo con que él mismo contempla su producción al eliminar algunos poemas, y reconstruir o añadir otros. En estos primeros libros inicia un erotismo telúrico, ligado a la naturaleza, al paisaje y a los que llama «<poetas solares»>, una <<vanguardia lúdica» bajo la influencia de Pellicer (Stanton 2002).
Su encuentro con Villaurrutia se percibe en el <<Nocturno»>, característico de su predecesor, así como los hermosos sonetos <<Crepúsculos de la ciudad». Una lírica que aún puede calificarse de neorromántica, pero en la que surge la imagen de vanguardia, originada en la violencia de una angustia «aire asesinado»- que se hace pre sente en su deambular («<Adiós a la casa»>, <<Se ven PM>>, <<La calle>>):
«Sombra, trémula sombra de las voces
Arrastra el río negro mármoles ahogados. ¿Cómo decir del aire asesinado, de los vocablos huérfanos, cómo decir del sueño?»
En Itinerario (1993), Paz evoca su periodo formativo: <<Avidez plural: la vida y los libros, la calle y la celda, los bares y la soledad entre la multitud de los cines. Descubríamos a la ciudad, al sexo, al alcohol, a la amistad»> y añade «<Leíamos los catecismos marxistas de Bujarin y Plejánov para, al día siguiente, hundirnos en la lectura de las páginas eléctricas de La gaya ciencia o en la prosa elefantina de La decadencia de Occidente…»
Tras recibir la beca Guggenheim (1944), es en- viado a París como diplomático (1945). Tiene la oportunidad de adherirse al surrealismo en contacto con Benjamin Péret y André Breton. Amigo de Albert Camus, desde 1939 comienza a alejarse del marxismo a causa del pacto nazi-soviético Del movimiento de vanguardia conserva su deseo de originalidad, su deseo de gravitar hacia lo contemporáneo rodeado de la polémica, atrapado por el valor del instante. Él mismo declara: <<En mi caso, el redescubrimiento de los poderes de revelación del surrealismo fueron, ya que no una respuesta a mis preguntas, sí una vía de salida>> (Itinerario).
Hay abogados que son la ponzoña de toda ciudad. No sólo que le chupan la sangre a las viudas, sino que también se beben las lágrimas de los huérfanos, y hay de ellos bestias tan dañinas, que el estómago les es demasiado grande para contenerlo al Pasaje Barolo o a la Granja Blanca. Gente temibilísima y más voraz que los tiburones. Individuos de tretas jurídicas, bandoleros de los códigos, intérpretes del diablo, que vuelven lo negro blanco y lo blanco negro. Cuanto más pequeños y más pálidos son estos malandrines, más voraz es su apetito. Entran en las herencias como los ulanos en las ciudades, y el paso de estos hombres se reconoce como el de Dios, que dice en las Escrituras: Conoceréis mis rastros por el número de muertos que queda tras de mí.
Así es la huella que dejan estos monstruos pálidos. Testamentaría que cae en su poder la descuartizan, revuelven, confunden, alborotan, deshacen y alteran de tal manera que después no bastan todos los jueces y fiscales para acumular el número de barbaridades que estos letrados cejijuntos amontonan en tan breve tiempo.
Ponzoña de las ciudades. Donde aparecen introducen la inquietud, el temor, la duda. Dislocan las relaciones de los parientes, enturbian los contratos de los comerciantes, hurgan en la buena fe de los honestos, oxidan la decencia de los regenerados, enaltecen la sinrazón de los pillos, humillan al continente de los tímidos, ensalzan los proyectos de los grandes bandidos, persiguen al pudoroso, le arman líos al ignorante, le tienden celadas al de dinero; y en tal manera alteran la paz de las ciudades y la amistad entre los hombres, que debía expulsárseles de todas las repúblicas, como los enemigos más peligrosos y dañinos, y recluírseles en un islote, para que pleitearan entre ellos, y entre ellos como buenos cuervos, se sacaran los ojos.
ESTA es la ciudad de «bronce y sueño«. Tienen sus gentes la tez de aceitunas y jazmines, como dijo su poeta, y es fácil ver en el umbral de alguna de sus cuevas un rostro tan trigueño, tan cetrino, que parece «moreno de verde luna«. Por aquí y por allá han dispuesto los gitanos su […]
Federico García Lorca y «LA CIUDAD DE LOS GITANOS» — By Aldana Muñoz
Admitiendo que Hans Jakob Christoffel, llamado Grimmelshausen, viviera de 1621 a 1676, hay que creer que su obra «Las aventuras de Simplizissimus» fué escrita entre los años 1657 y 1667. Ha acabado la Guerra de los Treinta Años. El jefe de negociado del conde de Schauenburg, hombre experto en el mundo, cansado de la vida de soldado y de la guerra, pero espiritualmente vivo y sano, instala en Gaisbach, en la taberna de la «Estrella de Plata», su pequeño escritorio y va llenando hoja tras hoja con el relato de sus años vividos. Cuenta las más extrañas aventuras humanas y literarias, y se pierde en su fantasía de modo que su obra no aparece ordenada, sino dispuesta un tanto al azar.
«Simplizissimus», como ¹Parcival, se cría ignorante en la soledad, para pasar de una vida salvaje de vagabundo a una elevada cultura y aun al sacrificio de la vida terrenal. En el libro se describen las más distintas capas sociales y las condiciones de vida del pueblo alemán en general. De ello resulta una mezcla pintoresca de novela de costumbres, de caracteres, picaresca, y estudio psicológico; un pronunciado humor natural contribuye a dar vivacidad a los personajes y a los hechos.
En «Simplizissimus» no hay que buscar un relato histórico original; ninguna de las crisis decisivas de la Guerra
de los Treinta años se representa con detalle, ni aparece ninguno de los protagonistas de las grandes batallas. Rara vez tropezamos con indicación de lugares; y en contadas ocasiones el amor a la patria provoca en el autor alusiones, por las que se adivina la situación histórica. Todos los contrastes de una época tan rica en acontecimientos se reflejan en la evolución de un hombre que, del más acentuado placer de vivir, pasa a una completa resignación y alejamiento del mundo. Con ello, Grimmelshausen demuestra su capacidad de análisis psicológico de los caracteres. Dice, por ejemplo: «Nadie en este mundo alcanza de repente la más sublime santidad; y ningún hombre piadoso se hace de pronto bribón; sino que cada uno va evolucionando poco a poco, hasta convertirse en un ser distinto del que era.» Al final del libro, Simplizissimus vuelve a la soledad y se hace eremita; vive en una pequeña isla, que para él significa el mundo entero. Lee el gran libro de la naturaleza, cada árbol le mueve hacia la felicidad en Dios, y es una advertencia de las ideas que debe sentir un verdadero cristiano. Pero quiere ser útil a los hombres, y organiza una estación para el salvamento de náufragos. Ve justificado el objetivo de su vida en la voluntad de ayudar, de mitigar las penas humanas, y así encuentra la paz consigo mismo y con el mundo. Surgido de las polémicas confesionales las turbulentas guerras del siglo XVI, el más grande poema barroco termina augurando una nueva era de conciliación y humanidad. Pero fué preciso casi un siglo para que la literatura alemana, surgiendo de la dolorosa oscuridad de la Guerra de los Treinta Años, encontrase el camino de su ideal. Mientras tanto brillaba el claro sol de la poesía francesa.
1- Perceval, también conocido como Parzival, Parsifal o Percibal, es uno de los legendarios Caballeros de la Mesa Redonda del rey Arturo. En la literatura galesa su nombre es Peredur. Es famoso principalmente por su participación en la búsqueda del Santo Grial.
Siempre nos parecerá maravilloso aquella fuerza con que, en los tres últimos decenios del siglo XVIII, irrumpió en Europa un nuevo sentimiento de la naturaleza y del mundo; y cómo este sentimiento vivió, rechazó y creó por encima de las rígidas y artificiosas reglas de la época de la «Ilustración»; y cómo sobre todo en Alemania provocó aquella multitud de activos espíritus creadores que hicieron otorgar a su país el honroso título de «pueblo de poetas y pensadores», trasladando a la vez el eje de la literatura al centro de Europa. Rousseau, padre de la «sensibilidad», había lanzado la consigna: «volvamos a la naturaleza». Sus compatriotas suizos Johann Jakob Bodmer y Johann Jakob Breitinger, ambos adversarios de Gottsched, movidos por necesidades religiosas, habían ampliado la brecha en la muralla racionalista: lo «milagroso» tendría otra vez su puesto en la poesía. El religioso Klopstock les pareció una primera realización, aislada, de sus ideales. Entretanto, en Inglaterra, Edward Young, entusiasta de Shakespeare, y, sobre todo, los poemas de Ossián de James Macpherson y la colección de baladas de Thomas Percy atacaban ya seriamente a las reglas y al culto exclusivo de la razón. Lo que importaba ahora era el impulso creador, la originalidad e individualidad, la profundidad del sentimiento y de la vida. Lejos, en Koenigsberg, el piadoso «Mago del Norte», Johann Georg Hamann (1730-1788), redactaba escritos de este género, a los que daba extraños títulos.
Harmann, con el ardor del profeta y la seriedad del investigador, con el humor del burgués y la violencia del reformador, fué el primero en saltar por encima del racionalismo. Una ruidosa mezcla de explosiones del intelecto e ideas obscuras luchaba por dar expresión a aquellos sentimientos nuevos que atormentaban el alma de esta época de «punto muerto» del racionalismo: la sensibilidad y el pietismo. Pero la literatura universal necesitaba una pluma hábil que descubriera los inmensos campos virgenes que aparecían detrás de estas brechas.
Esta brillante pluma fué la de un discípulo de Hamann, su exégeta y paisano Johann Gottfried Herder (1744-1803), que, al igual que su maestro, pasó por una violenta experiencia religiosa, «Dios como naturaleza que crea a la naturaleza», el mundo como nacimiento de Dios, la historia como el desenvolvimiento terrenal de la divinidad. De ahí dedujo Herder todo el resto: el hombre con su cuerpo, su alma y su razón, como recipiente divino; el genio creador, como órgano expresivo de Dios y aun surgiendo cada vez en la naturaleza como consecuencia de esa autorrepresentación continuamente viva y creadora de la fuerza divina del mundo.
La caracteristica esencial del mundo es su continua creación, su cambio y formación permanente. Característica del fondo creador es, por consiguiente, la originalidad, la individualidad y su diferenciación sucesiva Y los auténticos valores sólo se dan alli donde, de unas profundidades animicas que no se dejan explorar por la inteligencia, surge la inteligencia misma y crea la verdad, su propia verdad, que es, por consiguiente, la verdad divina. El racionalismo no tenia derecho a reducir la actividad creadora universal a una comprensión del mundo sólo deducida por el hombre, ni a fijarla como una racionalidad del proyecto del mundo, más o menos mecanizada. Nadie le autorizaba para pasar por alto el contimo cambio de las condiciones históricas de un poeta, dando validez perenne a reglas y normas deducidas de obras artisticas de una época determinada y queriendo medir con ellas la altura o la profundidad de un pueblo, una generación y un arte, cuya situación ha cambiado ya.
¿Acaso puede negarse que Sófocles trabajó bajo unas condiciones históricas distintas de las de Shakespeare? ¿Cabe dudar que cada genio trae consigo su propia ley, personal e intransferible? ¿O es que va a permitirse a los que únicamente creen en la razón que borren de la vida del hombre y de la naturaleza todo lo que no les parezca claro, razonable y justificado y eliminen de su poesía el cuerpo, el alma, lo instintivo, lo espon tineo, lo ingenuo, lo obscuro, lo mistico, o lo mitológico?
Y así fue como, sobre el arte un tanto arcaico y esclavo de las reglas de un Wieland, irrumpieron las nuevas ideas expresadas en los Fragmentos sobre la literatura alemana modernas, en las «Selvas criticas» y en los ensayos «Sobre el modo y el arte alemán»: los conceptos de lo creador, de la individualidad, de lo inmediato, de la verdad acomodaticia y de la intima veracidad. La sensación, la inspiración, la intuición, la visión, el amor, la voluntad de universalidad que todo lo abarca, sustituyen a la norma estrecha, la critica hecha a base de eliminación, «al buen gusto» mediocre. Poesia es la emancipación del espiritu universal que se expresa en lenguaje humano; es, en última instancia, confesión. Esta es la consigna. Considerados desde su individualidad creadora, ¡qué diferentes nos resultan los profetas biblicos, los griegos y sobre todo Shakespeare! Como revelación de una fuerza primitiva y original más próxima a los elementos, ¡qué distinta resulta la poesía popular, la sencilla y auténtica voz de los pueblos! Con tal valoración del individuo, de los géneros y las fuerzas, hubo de ampliarse poderosamente el campo visual y cambiar el criterio rigido sobre épocas luminosas o sombrías. Emprendió esta tarea, de un modo clarividente y pedagógico, el historiador iz Johannes con Muller (1752-1809). Con ello encontraban su justificación aquellas fuerzas de la época que en Norteamérica y luego en Francia encaminaban a los pueblos hacia una explosión revolucionaria; en Inglaterra se volvían contra la rigidez de la poesía sensiblera del rococó, y en los distintos países en que entonces estaba dividida Alemania combatían los afrancesados ideales del arte y la autocracia de las pequeñas cortes, cuyo rey más poderoso y destacado se expresaba todavía en francés y estimaba en más a Voltaire que a los poetas de su patria. Y hay que reconocer que esta nueva valoración, este amplio renacer de la nueva generación que gritaba al mundo racionalista: «el sentimiento lo es todo, los hombres no son más que sonido y humo», no se explicaría sólo por lo que tenía de protesta. El fervor de este nuevo sentimiento frente a la naturaleza y el mundo bastó para crear una gran comprensión ante lo que surgiera en todas partes, ya fuera vigoroso o presuntuoso; auténtico o enfermizo; creador o ridículo. Fue la irrupción del «pathos» en el campo de los ideales artísticos racionalistas que aún imperaban sobre el público.
El progresivo conocimiento de esta otra forma narrativa sirvió también para perfeccionar una técnica verdaderamente innovadora: el monólogo interior.
El procedimiento del monólogo, entendido como un soliloquio de los personajes, formó parte desde antiguo de la tradición literaria. La narrativa del siglo xx, sin embargo, intentó no sólo traducir los pensamientos, sino también el «fluir de la conciencia» de los personajes. Esta instancia psicológica, nacida de las reflexiones científicas de las postrimerías del siglo XIX, encontró un modo de representación literaria en los escritores modernos. Así, el modelo primitivo, inventado por el escritor francés Edouard Dujardin, formado por palabras sueltas e inconexas, evolucionó y se perfeccionó con James Joyce, William Faulkner o Virginia Woolf.
Estos ensayos para mostrar la «palabra interior» como la llamó Joyce, utilizaron una forma tomada del cine: la técnica del montaje. Gracias a ella, secuencias discursivas inconexas pudieron adquirir coherencia y resultar comprensibles para el lector. Al elegirse un «foco» interior, desde un punto de vista inusitado, los relatos pudieron mostrar modulaciones íntimas hasta entonces nunca exploradas por la literatura.
Un aspecto destacado de la técnica del monólogo interior son las modificaciones tipográficas que se fueron introduciendo para marcar de forma visible los cambios en la alocución. Los paréntesis o la letra cursiva resultaron útiles para diferenciar la palabra del narrador del mónologo del personaje, o para dividir lo que el personaje dice de lo que piensa.
EL RETORNO DE LA ORALIDAD
Si los relatos primitivos fueron orales y mantuvieron los signos textuales de esas antiguas formas de cultura: repeticiones, muletillas, lugares comunes, etcétera; los cuentos modernos recuperaron algunos de estos rasgos, buscando con ellos dar verosimilitud a las palabras de los personajes. La literatura americana, en inglés o castellano, posee numerosos testimo- nios de la búsqueda de una oralidad convincente. El comienzo de Las babas del diablo de Julio Cortázar ejemplifica una de las soluciones encontradas para testimoniar la oralidad, y a la vez ilustra las vicisitudes en la construcción de una historia.
Portada de Los siete locos, Buenos Aires, Claridad, 1929 La lectura de Los Siete Locos puede estructurarse en base a los relatos-confesiones que recorren su textura y esto establece el primer lazo formal y uno de los más importantes con la narrativa de Dostoievski: en efecto, entre sus textos «Memorias De Subsuelo», es una larga […]
Relatos-Confesiones como ejes estructuradores en la narrativa de Los Siete Locos de Roberto Arlt
Literatura Doppleganger Sancho/Quijote DOBLE. Del latín duple, sosias. (ing: doppel; fr: doublé; i:. Doppio; al: Doppel; port: duplo). Persona que tiene parecido con otra hasta el punto de poder serconfundido con ella.2. Quien sustituye a un actor o actriz endeterminados momentos del rodaje cinematogáfico. La voz doble traduce la figura del Doppelgänger (literalmente,caminante doble): la […]
DOPPLEGÄNGER — By Aldana Muñoz
En 2020 entramos en una comunicación con ciudades en silencio, los hombres se ausentaron, todo devino silencio; y a la vuelta de cada esquina nos imaginamos desde una máquina literaria a Jean Cocteau diciéndonos: “cuando una obra parece adelantada a su tiempo es solo que el tiempo está detrás de la obra”. “La nave de […]
Un pacto fáustico: identificación novelesca con el delirio en “La Ciudad Ausente» de Ricardo Piglia.
Desde su posición marginal, el discurso de los personajes está enmarcado por sistemas de poder, ya que, como establece Foucault en El orden del discurso, su está a la vez controlada, seleccionada y redistribuida por un cierto número de procedimientos que tienen por función conjurar los poderes y peligros, dominar el acontecimiento aleatorio y esquivar […]
Los Siete Locos: El carácter monstruoso como transgresión — By Aldana Muñoz
¿Es mejor tocar rock que música clásica?
La catedra de musicologia de la Universidad de La Plata planea realizar un experimento en el cual se puedan ver las supuestas ventajas de tocar rock. Las hipotesis que se intentan demostrar son:
Con el rock se puede ganar más plata.
Con el rock se puede tocar sin tener que profundizar el estudio musical, o simplemente obviándolo.
Con el rock se puede ganar más plata.
En cuanto a otras ventajas, plantea el siguiente experimento: se coloca a un estu diante no muy avanzado a hacer una pasantia en la Orquesta de Cámara del Teatro Colón, y a otro, a liderar un grupo llamado ¡Qué Chabones de Barrio!, y luego se observa quién logra coger primero.
Quizá después de esta experiencia podamos contestar la pregunta:¿Qué instrumento conviene tocar en una banda de rock?
La guitarra es decididamente el instrumento que ofrece más ventas. la primera guitarra, La guitarra ritmica puede quedar en manos del cantante o de uno que sepa hacer coros, o que por lo menos sea muy amigo. Los teclados pueden servir. El bajo y la bateria son lo último. El que toca el cello o el acorda un eterno músico invitado..
¿Qué instrumento ayuda a ser el líder de la banda?
La guitarra solista o primera guitarra. Luego la rítmica, si se canta. Después el teclado.
El teclado o el piano tienen como dificultad no permitir estar al frente bailando o corriendo por el escenario (Mariano Mores experimentó con el hecho de comer por piano y hasta arrojarlo al público, con lamentables resultados). El bajo permite bailar saltar, pero no ayuda mucho para ser lider. La batería, menos. Ser miembro del coro directamente asesina los sueños de liderazgo, más aún si se hacen coros y se toca la pandereta. No tocar ningún instrumento y cantar puede ser de gran ayuda para una banda, si esto está acompañado con un gran carisma en el escenario, una forma particular de moverse y un talento especial para contestar reportajes.
¿Tocando la batería o el bajo es posible contestar reportajes?
Muy poco, Generalmente haciendo acotaciones en una entrevista grupal, en la que seguramente se volverá a destacar el líder de la banda. El baterista tendrá reportajes propios sólo si se va o lo echan de una banda famosa, o si es Ringo Starr, Keith Moon o John Bonham. Dos de ellos murieron. Los tres tuvieron problemas con el alcohol
¿Por qué es mejor tocar la primera guitarra?
No hay una banda que tenga solos de bajos o de batería en todos los temas. Pero casi todas las composiciones sí tienen un solo de guitarra, que sirve para que el cantante no tenga que cantar durante todo el tema y para que de esa manera la letra alcance a cubrir la totalidad de la música.
El guitarrista es el verdadero héroe del rock. Se luce más, tiene posibilidades de mostrar distintos sentimientos con la guitarra (mostrar sentimiento con la batería es más difícil, mucho más aun lo es con una pandereta o una maraca) y es el que tiene, junto al cantante o el líder, posibilidades de coger más seguido.
¿Cómo se hace un solo de guitarra?
Puede ser rapido o despacio, con feeling sin él. Lo importante es estirar cuerdas tocar resueltamente un par de notas y despues repetirtas, cosa que gente empiece a aplaudir. No se sabe por que, pero es así.
Llegué al punto álgido de la tolerancia con los personajes del sistema educativo que, a través y su rol de actantes dinámicos, promueven el lenguaje inclusivo sin considerar obligatoriedad que conlleva su rol de educandos, con respecto a la responsabilidad, no solamente civil para con el educando, sino con la implicancia más sublime en derredor de la evolución procesual de la arquitectura de los puentes cognitivos que se establecen en el circuito neuronal psicolinguistico de los seres humanos, en general y sobre todo el de los aprendientes en etapa de crecimiento madurativo del aspecto cerebral cognitivo.
El lenguaje con sus complejidades etimológicas y se, es una de las principales aristas a través de las cuales el ser humano desarrolla el fortalecimiento de las estructuras cognitivas.
Sopena, el carácter inimputable que se le ha otorgado a gran franja los educadores, en el permisivo acto negligente respecto a los comportamientos pedagógicos en boga relacionados con las acciones baladíes de la moda inclusiva, que supedita los enseñantes bajo modo enseñanza que dejan de lado la integridad de los aprendientes, por el acto irrisorio poner en primer plano prácticas deliberadamente arbitrarias perjudicando a los menores a cargo.
En primer lugar, el lenguaje inclusivo, no tienen un fin relacionado con la real de la ruptura.
Lamentablemente, siquiera pueden considerar, que exponen de manera contradictoria sus falencias y su carácter hipócrita, desnudando su debilidad ante los aprendientes que rumiando y mascullando la estupidez del adulto irresponsable inaudito y déspota, sigue siendo víctima de generaciones irremediables.
Es ineludible, a través de los manifiestos que se concatenan con lexemas inclusivos, «el no decir a través del no decir». La ilegibilidad de los discursos y la imposibilidad de reproducir oralmente lo discursivo gráfico, es la prueba más contundente de la falacia más deleznable, que por insignificante es aún más deplorable.
Es tal la necesidad de manifestar una ruptura inexistente del patriarcado, tanta cinismo malogrado para demostrar lo que no son, que conforman un conglomerado de vocablos inexistentes para solapar su imposibilidad y su negación a la ruptura.
Ruptura que solamente será posible, a través de la acción y jamás a través de la deformación de las prácticas discursivas.
La verdadera ruptura se relaciona con la generaciones procedentes, de las cuales están haciendo caso omiso, vituperando sus derechos con la enseñanza que se corresponda con sus necesidades procesuales en el fortalecimiento de las cognitivas, entre otras.
La amabilidad la dejé de lado. La mala praxis debería de ser tan condenatoria en la medicina como la educación.
Nací docente por oficio y moriré docente yendo en contra de cualquier precepto que haya de perjudicar la salud física o psíquica de los menores.
Grupo Eagles En el año 1976 el grupo norteamericano Eagles lanzó una canción de seis minutos y medio de duración que, en mayo de 1977, alcanzó el número 1 en el ranking Bilboard Hot 100. Este mismo tema, con el paso de los años, se convertiría en un clásico instantáneo y en su single más […]
La historia de la canción “Hotel California”: ¿Clásico de la música popular o canción satánica? — By Aldana Muñoz
Sábese en qué horribles proporciones crecen los atentados al pudor en todo el
mundo civilizado. Muchas son las causas que contribuyen a este crecimiento, pero la influencia pestilente de las prisiones ocupa el primer lugar. La perturbación provocada en la sociedad por el régimen de la detención, es en este sentido más profunda que en ningún otro.
Inútil resulta extenderse en el asunto. En lo que a prisiones de niños respecta, (la de Lyon, por ejemplo), puede decirse que día y noche la vida de aquellos desgraciados está impregnada de una atmósfera de depravación. Lo propio ocurre con las prisiones de adultos. Los hechos que observamos durante nuestro cautiverio, exceden a cuanto pudiera idear la imaginación más depravada. Es necesario haber estado mucho tiempo preso y haber escuchado las confidencias de los otros reclusos para saber a qué estado de espíritu puede llegar un detenido. Todos los directores de prisión saben que las cárceles centrales son las cunas de las más sorprendentes infracciones de las leyes de la naturaleza. Y se incurre en un grave error al creer que una reclusión completa del individuo en el régimen celular, puede mejorar tal situación. Es
una perversión del espíritu la causa de estos hechos; y la celda es el medio mejor para dar aquella tendencia a la imaginación.
Uno tiene la certeza de que algún día va a palmar, pero vive olvidándose de eso.
Si uno tuviera presente todo el tiempo que cualquier día se muere, no pagaría expensas, impuestos. No se adaptaría a compartir tanto tiempo con pelotudos en el trabajo. Tampoco gastaría tanta esperanza de vida en internet; gracias a lo cual, pasamos más tiempo con la mano arriba del mouse que sobre un órgano sexual.
Un órgano sexual, una lengua, una teta, una vulva, un pene, entre otras. Cosas que sabemos que son más atractivas que un MOUSE marca GENIUS… ¡Aunqueeee!: con una teta, o con un órgano sexual no se puede mover una flechita, cliquear y poner me gusta, me gusta, me gusta, me gusta, me encorazona, me divierte… ¡Cuando en realidad lo que te GUSTA es la chota, la almeja!
Pero preferimos solicitar amistad amistad y encorazonar una foto, y poner ay, uhhhh, woww, off, ufff, bueee, shhh, pst, grr, ayy, off,… Antes que garchar, o hacer cualquiera de los desastres que harías, si te dieses cuenta que cualquier día de estos ¡¡¡ te vas a MORIR…!!!
El tiempo es un psicópata que nos vas convirtiendo lentamente en lo que más odiamos…
Empecemos a activar el órgano vomeronasal que tenemos guardado con naftalina en el ropero y dejemos de copular aleatoriamente cagando así, la trascendencia de la humanidad…
Arrimesé al felpudo, sáquele brillo a ese canelón con ralla al medio.
El temprano vínculo entre el padre del psicoanálisis y la cocaína se puede visualizar entre luces y sombras. Existen diversas referencias sobre este asunto, unas más lúcidas (e.g., Cohen, 2011). Sin embargo, más allá de la identificable relación de Sigmund Freud con esta sustancia por aproximadamente una década, y en los años previos a sus […]
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La filmación se detenía hasta que él gritara ¡corten! o cayera muerto. Bajo el ala del sombrero ocultaba sus enormes ojos y su rostro impasible. Nunca utilizó un doble para las escenas de acción más peligrosas del cine, y se mantuvo impávido en las situaciones más cómicas y en las más dramáticas. Literalmente forjó su […]
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EL HABLA ARGENTINA — By Aldana Muñoz
Solo cuando dejemos de creer en el amor, nos vamos a poder enamorar. Dejar de creer en el amor con MAYÚSCULAS, en el amor único, pleno, normativo, omnipotente. En el monoteísmo del amor. Dejar de asociar el amor con la creencia, con la religión, con la trascendencia. «DEJAR DE».
El amor como movimiento de salida, de escape, de desarme de uno mismo.
En el amor siempre se sale pero nunca se llega. Se sale pero no hay un afuera. No hay un amor mejor.
Todo ideal del amor sigue siendo una forma de ensimismamiento. Por eso salir o que nos saquen.
El amor es una incertidumbre, un riesgo, una osadía. Pero también es contingencia, vértigo, inseguridad.
No sabemos lo que hay pero sabemos que queremos irnos de aquí.
Dejar de creer en el amor para que acontezca el flechazo. Desnudarse para que nuestros cuerpos refuljan y se vuelvan vulnerables. El flechazo desarma el ideal romántico del amor: porque es incalculable, impredecible, inconveniente, injusto pero sobre todo porque no depende de nosotros. Nadie se enamora porque quiere.
Pobre amor el que es efecto de una voluntad, de un entendimiento, de una opción, de un interés… y pobre amor el que es un resultado de una coacción, de un imperativo, de un mandato.
Para ser feliz hay que enamorarse. «HAY QUE». Donde termina el deber, comienza el amor; donde hace ruido la ley aturde el amor.
El flechazo desarma la soberbia del sujeto. Nadie se enamora del resultado de un cálculo.
Probablemente la persona más conveniente para enamorarse no sea objeto de nuestro deseo.
UN ELEMENTO ORGANIZADOR FUNDAMENTAL Es un aspecto de plural riqueza interpretativa porque es uno de los modo: aglutinantes privilegiados, una de las formas de operar la sintesis, una las maneras (inéditas) de unir lo que aparece fragmentado, dis perso y uno de los recursos a los que se echa mano para lograr ese efecto cuasi-cómico […]
EL GROTESCO ARLTIANO: (EL PRODUCTO DE UNA DOBLE LECTURA) — By Aldana Muñoz
Cartas transcriptas parcialmente debido a su extensión qué forman parte de la correspondencia enviada por el escritor a lo largo de seis décadas compiladas en el año 2002. Pueden leerse como su autobiografía, esto nos permiten conocer al hombre de todos los días y acceder a las circunstancias cotidianas que formaron parte, también, del universo […]
Julio Cortázar — By Aldana Muñoz
La imagen nos muestra el frontal de la página principal de Masticadores.com; en la jerga del Consejo de Redacción es “la Madre Superiora”. Ha ido evolucionando con retoques estéticos (y de lenguaje en Html) que puede soportar esta plantilla. Allí nacen los vínculos a los Masticadores por países, ahora son 8 (Brasil, México, Argentina, Italia, […]
Masticadores: Dos páginas en borrador explican este fenómeno cultural
Día del Amor: cómo surgió la leyenda de San Valentín, el santo que se celebra el 14 de febrero y probablemente nunca existióDistintas historias y relatos hablan de esta figura sagrada por la que hoy se celebra el día de los enamorados Marco Aurelio Claudio (214-270) decidió prohibir que los soldados se casaran.Cuando era emperador […]
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Según la mitología antigua, el Caballo de Troya permitió a los griegos capturar la ciudad de Troya, pero los historiadores difieren sobre si esta famosa bestia de madera era real o no. Según la historia griega antigua, el caballo de Troya permitió a los griegos cansados de la guerra entrar en la ciudad de Troya […]
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La sociedad ha distorsionado el concepto del amor; éste se ha diluido en el idea de posesión absoluta. Es decir, se cree que controlar, revisar el celular de tu pareja, estar en constante sospecha es normal en las relaciones. También llamado Síndrome de Otelo, pero eso lo veremos más adelante. Amar a alguien te debe […]
QUE PASA CUANDO MI PAREJA ME REVISA EL CELULAR.
– POESÍA EN PROSA / REALISMO POÉTICO. Uno de los proyectos estilísticos más importantes de Baudelaire y que tuvo más resonancia en la poesía del siglo XX, fue el de la liberación de la prosa. El trabajo que realizó desde sus Pequeños poemas en prosa fue de capital importancia para las generaciones futuras. En ellos, […]
Las Flores de Cobre (ARLT/BAUDELAIRE)
La Ilíada es el poema épico más antiguo la literatura. Fue compuesta por Homero, autor quizás también en la Odisea, de qué los griegos de la antigüedad nada sabían, hacia 750 antes de nuestra era en algún lugar próximo a la costa occidental de Anatolia una de las Islas adyacentes.
La Ilíada es una creación artística que emerge de una larga tradición. Versiones anteriores que narraban el mismo tema o un tema parecido, difundidas de manera oral, no escrita, remontan hasta el 1200 antes de nuestra era. Desde entonces hasta el 400 antes de nuestra era al menos hubo en las zonas donde se habla griego poetas, llamados aedos, que componían de memoria y sin ayuda de la escritura poemas narrativos que cantaban con acompañamiento de un instrumento musical de cuerda sin caja de resonancia. Se ignora cuando La Ilíada, destinada a ser difundida oralmente, fue puesta por escrito. Antes del 520 a. C., había, en Atenas, un texto escrito que se recitaba en la fiesta de honor de la diosa Atenea.
Los manuscritos que conservan una parte de toda La Ilíada y anteceden a la invención de la imprenta, son papiros y escritos desde el siglo III antes de nuestra era hasta el siglo VII d. C., pergaminos escritos en Bizancio desde el siglo IX hasta el siglo XV de nuestra era y manuscritos escritos en papel a partir del siglo XIII. Todos coinciden hasta tal punto, que parecen remontar a un original único. Este texto que está en la base de las copias que se custodian hoy en bibliotecas europeas y americanas, fue el que editaron los filólogos alejandrinos, Astriarco en particular. Se desconoce sobre qué fuentes Astriarco realizó su edición en la primera mitad del siglo II a. C., pero se sabe, que otorgó especial importancia a una copia ática.
La Ilíada presenta una forma de griego antiguo usado para la comunicación cotidiana. Aparecen mezcladas formas arcaicas y recientes, formas de distintos dialectos hablados y formas que no existieron en ningún dialecto y que son exclusivas de la épica arcaica.
El poema está compuesto versos llamados hexámetros dactílicos. Su ritmo se basa en la repetición de una unidad constituida por una sílaba larga y dos breves (u otra larga) seis veces. Cada verso está separado del siguiente por una pausa. Hay posiciones del verso donde se busca el fin de palabra, y otras en las que se evita.
La Ilíada y la Odisea están divididas en veinticuatro cantos. Esta división fue realizada en época helenística. Cada canto fue nombrado por una letra del alfabeto griego.
La Ilíada narra un episodio del mito de la guerra de Troya. Según el mito, esta guerra fue movida por muchos reinos griegos del sur de la península balcánica y de las islas próximas, qué hicieron una expedición para recuperar a Helena, esposa de Menelao, Rey de Esparta, que había sido raptada por Paris. Al mando figuraba Agamenón, Rey de Micenas. La guerra terminó con la toma y el saqueo de Troya.
Según el mito, muchos dioses, concebidos como antropomorfos, inmortales, poderosos y con aspecto invariable a través del tiempo, participaron en las batallas ayudando a sus héroes favoritos o a uno u otro bando según su capricho.
Este mito tiene un núcleo histórico. refleja la situación de fines de la Edad del Bronce reciente en Grecia (1570 1200 antes de nuestra era), en tiempos del poder y de la riqueza de Micenas que atestiguan los hallazgos arqueológicos. En esa época fueron escritos los documentos griego más antiguo que se han conservado, las tablillas de arcilla escritas inscriptas con signos que representan ideograma o sílabas que notan de variedad de arcaica del griego llamado convencionalmente micénico. Estos documentos conservados gracias a la cocción de la arcilla en el incendio accidental que devoró los palacios micénicos de Pilo, Cnoso, Micenas y otros lugares, registran personas, ganado y otros bienes del palacio. En La Ilíada hay también reminiscencias de la Edad del Hierro desde, 1200 hasta el 750 a. C., e incluso de fecha posterior. los datos de La Ilíada que reflejan costumbres u objetos posteriores a esa fecha, pueden ser adiciones anónimas incorporadas tras la composición de La Ilíada.
La Ilíada tiene una extensión de 15.690 versos, pero sólo relata la cólera de Aquiles y los sucesos de unos pocos días del décimo año de guerra. No se narran los hechos anteriores ni se explica que la causa última era el deseo de Zeus de aliviar la tierra del peso de hombres y el juicio de Paris sobre la belleza de las diosas Afrodita, Hera y Atenea.
La muerte de Aquiles y la toma de Troya no son narradas en La Ilíada, pero son anunciadas varias veces, por lo que existe la certeza de que ocurrirán pronto. Además, algunos episodios se corresponden mejor con la llegada de la expedición aquea. Así, la cólera de Aquiles, se convierte en un símbolo de toda la guerra y el Ilíada o poemas sobre Iilio.
La tradición oral épica en la Grecia arcaica
Al leer la Ilíada y la Odisea, lo primero que destaca es la repetición de los mismos epítetos aplicados a los mismos sustantivos y la repetición de partes de versos, de versos y de serie de versos. Agamenón es <soberano de hombres>; Aquiles <el de los pies ligeros>; Héctor <el de tremolante penacho>; la espada<tachonada de argénteos clavos>; las naves <veloces>. La respuesta en los diálogos empieza a menudo: <y respondiéndole le dijo estas aladas palabras>. Éstas repeticiones se denominan fórmulas y se definen como grupos de palabras cuyo grado de expectación mutua es elevado y que expresan un significado propio.
Las fórmulas tienen longitud variable, tienden a ocupar el mismo lugar en el verso y aparecen en la totalidad de los poemas homéricos. Algunas están restringidas a la Ilíada o la Odisea. Hay fórmulas constituidas por grupos de palabras sin variación, otras muestran flexión, separación, inversión o movilidad de sus componentes, expansión con palabras adicionales y otros tipos de modificación.
Estas repeticiones están presentes en la lengua coloquial y otros poemas, pero son más frecuentes en la épica homérica. Además, muchas fórmulas que expresan un significado semejante, constituyen sistemas dotados de extensión y economía: cada miembro de un sistema formular es usado siempre que contexto lo permite; y no hay expresiones y significado equivalentes que sean usados en una misma sección del verso.
También hay repeticiones de escenas denominadas típicas que relatan, por ejemplo, batallas, duelos, visitas y embajadas, banquetes y ofrendas, llegadas a un puerto o viajes por tierra en carro, reuniones de la asamblea, acciones de armarse en la lucha, juramento, discursos y monólogos. Cada manifestación de una escena típica presenta rasgos peculiares con respecto al esquema ideal, el adaptan al contexto. algunos se expresan siempre igual y otra sufren expansiones o abreviaciones.
El contenido está organizado en estructuras que se repiten como catálogos, símiles, digresiones y discursos.
Entre las escenas típicas breves, los motivos y el tema central de La Ilíada, (y la Odisea), no hay diferencias cualitativas; éste es un motivo tradicional con expansiones. tanto Aquiles como otro guerrero menores eligen de modo consciente su forma de vida.la venganza que un héroe se cobra por la muerte de un amigo, como Aquiles por la muerte de Patroclo, aparece a menudo en las escenas de batalla.
Las disgresiones muestran el mismo repertorio de motivos tradicionales: la leyenda de Meleagro en Ilíada IX narra una disputa y la obcecación del héroe, como La Ilíada; la elección consciente de un tipo de vida aparece también en muchos guerreros menores. El honor y la gloria son móviles frecuentes de la acción de Los Héroes épicos.
La forma lingüística de los poemas épicos griegos arcaicos es peculiar. Arcaísmos que habían desaparecido la lengua hablada, formas de dialectos hablados, (básicamente el jónico de Asia menor, también hay rasgos coincidentes con el jónico occidental, dialectos: el eólico, micénico, arcadio, chipriota; y grafías propias del ático), formas artificiales propias de la epopeya. Esta mezcla inextricables se explica bien en el marco de una tradición de composición y difusión oral improvisada. El Digenís Akritas, un poema griego medieval, es ilustrativo al respecto. Se conserva un manuscrito cuya forma lingüística tiene rasgos dialectales diferentes.
Según el diccionario de la Real Academia Española, ridículo es todo aquel o aquello “que por
su rareza o extravagancia mueve o puede mover a risa”.
El término ridículo viene del latín ridere (reír) y por lo tanto es una de las formas más usadas
por el discurso del humor, ya que el ridículo es uno de sus principales sustentos y hay ejemplos en todo el folklore cómico o en los cuentos con animales, como por ejemplo los del zorro, que es siempre tramposo y toma a otro animal por tonto. (Trama constitutiva de las narrativas con intención didáctica, vale a mencionar, a los exemplos del Conde Lucanor.
Versión original: Exemplo quinto: «de lo que conteçió a un raposo con un cuervo que tenié un pedaço de queso en el pico»
«Otra vez fablava El Conde Lucanor con Patronio, su consejero, et dixol’ assi: Patronio, un omne que da a…
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Al parecer, hemos estado eyaculando por un largo tiempo. En 2010, la uróloga Joanna Korda y sus colegas examinaron las traducciones de textos literarios antiguos y encontraron múltiples referencias a la eyaculación de fluidos sexuales.
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Korda y sus colegas razonaron que lo último puede ser claramente interpretado como eyaculación femenina.
En cierto modo, la eyaculación es como el orgasmo: a veces pasa, a veces no. Aún no tenemos una respuesta definitiva a la pregunta de por qué algunas personas con vulva eyaculan y otras no. Puede deberse a que algunas personas no están lo suficientemente excitadas o no están recibiendo el tipo de estímulo sexual adecuado para provocar…
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Eyaculación femenina — By Aldana Muñoz
Por Elvira Martínez Ropero Sección: En FemeNILO Miércoles, 7 de diciembre. 2022 LA MENSTRUACIÓN Los egipcios tenían claro que la sangre era parte del ciclo que permitía a las mujeres ser fértiles y que apareciera mensualmente indicaba que no se había producido un embarazo. Consideraban que en el embarazo no se menstruaba porque la sangre […]
La sangre menstrual en el Antiguo Egipto
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Sección: Escriben nuestras jóvenes
Viernes, 30 de julio. 2021
Recientemente, navegando por Internet, encontré un vídeo que me llamó la atención y sobre el que creo es necesario comentar algunos detalles, puesto que es un tema que debería tener más respuesta que otros vídeos en Internet más enfocados a la diversión o a la belleza.
A pesar de que mi preferencia es redactar textos enfocados en la visión de la mujer a través de la literatura, me parece interesante también cubrir una de las problemáticas más mediáticas de la actualidad: el feminicidio.
Muy poco hay que indagar en nuestros orígenes literarios para encontrar ejemplos de feminicidio. El Cantar de mío Cid de principios del siglo XIII o la tragedia de Otelo: el moro de Venecia de Shakespeare son claros ejemplos de ello. Sin embargo, quizá sea…
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Escritor y periodista mexicano (Villahermosa, 24 de abril de 1982). Desde la preparatoria escribe los relatos que ya perfilan la constante de su estilo (El suspenso, la muerte como decisión, el humor negro, el amor que no redime). Cursando la carrera de Comunicación en la Universidad Juárez Autónoma de Tabasco (UJAT), en 2002, obtiene el […]
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¿Qué fue la apropiación sistemática de menores durante la dictadura de 1976 en Argentina?
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lunfafirule.wordpress.com 